MaMa Cinéma

2012-01-18T13:07:00.000-08:00

J. Edgar, 2012

Réalisation: Clint Eastwood

Production: Clint Eastwood, Robert Lorenz,Brian Grazer

Scenario: Dustin Lance Black

Distribution: Leonardo Dicaprio (J. EdgarHoover), Naomi Watts (Helen Gandy), Armie Hammer (Clyde Tolson), Judi Dench(Anne Marie Hoover),

Musique:Clint Eastwood

Genre: Biopic

Studio: Warner Bros

Sujet : La vie de Hoover, dans son intimité et sur lascène politique....

On peut deviner que c’était un dur pari que de mettre enscène la vie de Hoover en tantqu’américain : personnalité inoubliable du XXème siècle, ce monstre depolitique pouvait en imposer. Mais Clint Eastwood a très bien su faireapparaitre la personnalité d’un homme qu’on n’aurait pas soupçonnée.

Le réalisateur a énormément joué sur les faiblesses de cethomme, comme le veulent les principes du scénario (il faut bien s’attacher aupersonnage) et n’en a trouvé qu’une : son homosexualité, qu’il n’ad’ailleurs jamais réellement avoué à lui-même. Il ne vivra jamais sonhistoire avec son collègue Clyde Tolson, et ce sont des scènes très touchantesqui relatent leur relation. Du moins est-ce le parti qu’a pris Eastwood, face àdes rumeurs qui ont circulé après sa mort. Homme discret, voir asocial carayant vécu pendant très longtemps chez sa mère et sans aucun ami, il a pourtantconnu 6 présidents, et s’est débrouillé pour contrôler tout ce qui était en sonpouvoir. Il a mis au point un système politique visionnaire pour son époque.Très marqué par la montée du communisme, il va consacrer sa vie à le combattre,y compris en menaçant Luther King indirectement, persuadé de son activitécommuniste.

Mais il est aussi un être pris de doute quant à son travailmalgré son apparente conviction dans ses chantages ou déclarations publiques.Il va mentir quant à certains évènements pour se maintenir une réputation, etrestera obsédé par le respect de sa vie privée, en paradoxe avec le système dedossiers confidentiels qu’il possédait sur qui l’intéressait.

Aidé par sa précieuse secrétaire qui le suivra aussi toutesa vie, c’est un étrange trio que l’on voit évoluer dans le film. Et à traversces relations étroites, on voit évoluer le monde des années 30, la Guerre Froide : on aperçoit Marilynet Kennedy en ombres chinoises, Ginger Rogers et sa mère, ou encore Dorothy Lamour...Touteune galerie de personnalités, y compris politiques avec Robert Kennedy,Nixon...

Mais les plus belles scènes restent définitivement cellesavec Clyde, où l’on peut voir un homme dévoué à son compagnon : ilsprennent leur repas ensemble, vivent une vie ensemble, toujours en enquêtes etsachant tout sur tout le monde...et seuls. Isolés par leur duo et seshabitudes, ils sont très attachants dans leur façon d’être.

Clint Eastwood signe un film très documenté sur son sujet,sa mise en scène reste fidèle à elle-même et la métamorphose de Dicaprio nouslaisse forte impression. Naomi Watts est parfaite dans le rôle de la secrétairefidèle et Armie Hammer est à la hauteur de ses confrères. La musique s’est sefaire oublier, évitant ainsi le piège du mélodrame : de Clint Eastwood, onreconnait sa marque. Et oui, même pour la musique !!

2012-01-09T10:07:00.000-08:00

Take Shelter, 2012

Réalisation: Jeff Nichols

Production: Tyler Davidson,Sophia Lin

Scenario: Jeff Nichols

Distribution: Michael Shannon (CurtisLaforche), Jessica Chastain (Samantha), Tova Stewart (Hannah laforche), SheaWhigham (Dewart)

Musique : David Wingo

Genre: Drame

Sujet: Curtis vit paisiblement avec sa fille et sa femme,jusqu’au moment où il fait d’affreux cauchemars : il est certain qu’uneterrible tempête s’annonce...

« Thereis no storm outside, Curtis. »

Take Shelter nous donne la joie de découvrir la facettemagique du cinéma, capable d’allier réflexion et effets spéciaux. Loin desblockbusters, Jeff Nichols dépeint une Amérique profonde, pas du toutintellectuelle, perturbée par les rêves de Curtis : les cauchemars qu’ilfait semblent lui annoncer une terrible tempête à venir, il décide donc derestaurer l’abri dans son jardin. Incompris de tous, même sa femme, pourtantattentive à son trouble, il va se plonger dans une lente remise en question deson état mental.

Car sa mère étant psychologiquement très fragile, il redouteune certaine hérédité : il voit des médecins, troublé par de nombreuseshallucinations. Sa fille, sourde, reste un souci pour la famille, mais dansl’ensemble tout se passait bien jusqu’à l’arrivée de ses cauchemars, qui leterrifie. Son initiative de restaurer cet abri anti-tornade sur un coup de têteparait être l’obsession d’un fou, et c’est grâce à sa réputation de travailleuret de chic type qu’il est ignoré pour un temps par ses voisins.

Mais la force du film, outre l’intelligence du scénario quinous dépeint avec une rapidité foudroyante les personnages, réside dans sacapacité à surprendre son spectateur par de multiples rebondissements. Desscènes nous laissent vraiment imaginer un tout autre film, pour finalement nousoffrir, après un temps bien mesuré, la vérité. C’est ainsi que chacun peuts’inventer une tonne d’interprétations possibles, sans être pourtant jamaispersuadé d’avoir résolu le film : outre une expérience de grand cinéma,cette intrigue ambiguë nous perturbe après et pendant le film, voir même avant.Et ce n’est pas gratuit de la part du réalisateur pour avoir l’air d’unintellectuel. Le pari risqué duscénario, mais réussi à merveille, était sans doute d’introduire une petitefille sourde dans la famille : le fait de voir les parents allant dans desréunions ou rendez-vous pour leur enfant ne change en rien le propos du film.

On a même la joie de constater que le cinéma peut décidément parler de beaucoupde choses, à condition qu’il le fasse bien ; ici, il y a plusieursintrigues sur le même front, toutes problématiques : une mèreschizophrénique, une fille sourde, des problèmes financiers...Et c’est unetempête qui va dérouter ce monde qui n'allait finalement pas trop mal.

Pour ce qui est du casting, on peut dire que ce sont desexcellents acteurs qui correspondent au ton du film : pas vraiment desstars, ils offrent une très belle interprétation de leurs rôles difficiles. Lamusique ne tombe pas dans le mélodramatique, tout comme la mise en scène :la sobriété est de mise pour Take Shelter, qui ne peut laisser personneindifférent, que l’on aime ce film ou non, car il est trop dérangeant.

2012-01-07T03:14:00.000-08:00

Des hommes et des dieux, 2010

Réalisation: Xavier Beauvois

Production: Pascal Caucheteux etEtienne Comar

Scenario: Etienne Comar et XavierBeauvois

Distribution: Lambert Wilson(Christian), Michael Lonsdale (Luc), Olivier Rabourdin (Christophe), JacquesHerlin (Amédée), Loïc Pichon (Jean-Pierre), Xavier Maly (Michel), PhilippeLaudenbach (Célestin)

Genre: Drame

Sujet: Des moines vivent en harmonie avec lesalgériens dans le village de Tibhirine en 1993. Lorsque des terroristes menacentla population locale, ils décident de rester, en dépit du danger...

C’est un film qui nous offre un grand moment decinéma : toute en sobriété, la mise en scène subtile de Xavier Beauvois asu s’effacer au profit de son sujet, grave, qui ne cesse de nous interpeller.Vivant avec ces courageux moines cisterciens pendant les temps précédant leurenlèvement, on peut suivre leur cheminement personnel : avant tout deshommes avant d’être des religieux, certains ne comprennent pas la décision deleur abbé Christian, véritable intellectuel féru de la culture algérienne (ycompris le Coran). Alors qu’il répond aux autorités qu’ils resteront coûte quecoûte, puisque c’est leur pays, les autres affirment qu’ils ne demandaient pasle martyre, qu’ils pourraient partir plus loin. Et ce parcours de chacun vafinalement les conduire sur le chemin de la foi, et de l’isolement dû à leurvocation religieuse : là-bas, en France, personne ne les attend. EnAlgérie, le village a besoin d’eux.

Tous très attachants par à la fois leur force et leurcourage, les moines du monastère vivent en communauté, avec un rôle attribué àchacun : en plus de la dimension dramatique du film, inévitable carvéridique, Beauvois nous offre le portait de chacun de ces moines par desévènements simples de leur vie quotidienne, rendant ainsi chaque scènetouchante. Comment ne pas sourire lorsqu’on voit Frère Luc endormi en tenantdans ses mains les « Lettres Persanes » ? Comment ne pas êtreintrigué par Frère Christian, qui étudie le Coran tous les matins, amoureux dupays dans lequel il est au point de refuser la possibilité de partir ?D’autres font leur miel, cultivent la terre, tandis que frère Luc soigne lapopulation locale, et même plus tard un terroriste blessé. Certains moines sontintellectuels avec une sensibilité qui leur permet de parler de tout, d’autressont anciens plombiers, ou autres. Et pourtant ils sont morts, tués dans descirconstances mystérieuses, un jour de neige. Et là où l’intelligence de laréalisation se montre, c’est lorsqu’on les voit s’éloigner dans la neige,partir, sans explosion de sang ou autre. Ici, Beauvois fait preuve de respectvis-à-vis des moines et se plie au contexte : on ne sait pas les toutderniers moments de ces moines, alors pourquoi tenter de les raconter ?

Mais là où la mise en scène est d’autant plus incroyable,c’est qu’elle ne manque pas de nous montrer les moines en mouvement. Evitantainsi le piège d’un film contemplatif trop mélodramatique, et qui aurait sansdoute mal transmis le message d’un tel évènement, Beauvois montre la libertédes moines qui prennent leur voiture, vont au marché, descendent au village.Des hommes libres de leurs mouvements en fin de compte, et donc de leursdécisions respectives. C’est ainsi que c’est sur un message de liberté que setermine le film, notamment lors de leur dernier repas. A l’initiative de FrèreLuc, ils goutent un air de vin en écoutant le final du « Lac descygnes » de Tchaikovsky. Heureux : certains pleurent d’émotion,d’autres se sourient mutuellement, mais on peut deviner qu’ils ont atteint lapaix qu’ils attendaient depuis si longtemps. Plus tard, ils seront enlevés, etseulement deux en réchapperont. Frère Jean-Pierre, toujours vivant à l’heureactuelle, s’est dit très ému du film et heureux de voir la mémoire de cescompagnons disparus apparaitre au cinéma.

Les scènes se succèdent, toujours justes par leursdialogues. Le casting exceptionnel du film ne manque pas de nous faireapparaitre ces moines tout en humanité : Lambert a un des plus beaux rôlesde sa carrière, et Michael Lonsdale reste toujours fidèle à lui-même par laqualité de son jeu. Les fabuleux paysages du Maroc ne manquent pas de nousdonner envie de partir là-bas, et c’est surtout la beauté de l’ensemble dufilm, dont le titre est décidément bien trouvé, qui nous touche le plus lorsquele générique apparait.

2011-12-07T05:26:00.001-08:00

La source des femmes, 2011

Réalisation: Radu Mihaileanu

Production: Denis Carot, MarieMasmonteil, Radu Mihaileanu

Scenario: Alain Michel Blanc,Radu Mihaileanu

Distribution: Leila Bekhti(Leila), Hafsia Herzi (Esmeralda), Biyouna (Vieux Fusil), Saleh Bakri (Sami),Hiam Abbass (Fatima), Karim Leklou (Karim)

Musique : Armand Amar

Genre: Drame

Studio: Europa

Sujet : Dans un village au Maghreb, les femmes doiventtous les jours allaient chercher de l’eau à la source, dans les montagnes.Elles décident de faire la grève de l’amour pour obliger les hommes à lesaider...

Le spectateur peut être surpris par un film telque La source des femmes : alors que l’affiche laisseprésager un hymne au combat des femmes, la fin laisse pourtant supposer que cemême combat est loin d’être terminé. Alors que les habitantes d’un village se sont battues àl’initiative de Leila en faisant la grève de l’amour, elles ont bien obtenugain de cause avec une fontaine sur la place du village, mais non pas unchangement de mentalité des hommes. C’est donc avec une certaine réserve que lefilm se termine, et c’est très bien vu de la part du réalisateur de signifierque la lutte est loin d’être passée sous silence.

Car les hommes sont présentés ici comme des monstres ou desabrutis, ou bien les deux, à quelques exceptions près. Cependant, leur attitudenous parait tellement réaliste qu’on ne peut absolument pas faire allusion à lacaricature. Seuls Sami, Karim et l’ex de Leila rattrapent le coup, mais la relationhommes-femmes dans ce film est un tel désastre, qu’ils sont loin de changerl’impression que l’on peut avoir en sortant du cinéma.

Et les femmes sont seules ensembles. Voilà comment résumerleur situation que tente de changer désespérément Leila « l’étrangère »et Vieux Fusil. Mais certaines épouses ne veulent pas de problème en faisant lagrève de l’amour, et d’autres se font violer, battre. Dur portrait de lacondition de la femme, que le réalisateur a bien pris soin de ne situer quetrès approximativement du Maghreb. On n’accuse ainsi personne, tout endénonçant bien des choses. Le rôle de la femme qui s’efforce de lutter sembleappartenir, dans le domaine du cinéma, à la femme arabe (Et maintenanton va où?, Les secrets) : apparaissant dans uneféminité typique, avec naturel, elle ne peut que toucher toutes les autresfemmes. Elles font la lessive, étendent le linge, dansent, souffrent ensemble.Si Leila est la seule à être heureuse en mariage, seule Esméralda, la plusjeune, aura le courage d’être moderne en quittant définitivement le village.

Les scènes se succèdent : certaines sont drôles,d’autres tragiques, troublantes, contestataires, musicales, et tout se confonddans un mélange surprenant qui nous engage à suivre ces femmes pour un moment.Et c’est peu donner pour une telle cause, lorsqu’on considère le combat quemènent les femmes en Arabie Saoudite aujourd’hui.

Leila Bekti, qui était déjà très bien dans Tout cequi brille de G. Nakache, nous prouve ici qu’elle a l’étoffe d’une grandeactrice pour tenir un rôle principal. Au côté de Biyouna, qui est elle aussi troublante de vérité,toutes les autres actrices sont à la hauteur, et nous avons la joie de nedéplorer aucun écart cruel de talent dans ce film. Les interprètes masculins,sont parfaits dans des rôles détestables, on les salue donc aussi mais avec uneréserve plus ou moins inconsciente. Lamise en scène de Radu Mihaileanu sait s’effacer au profit de son sujet,toujours intéressant et d’actualité. La source des femmes peutfaire le même effet qu’un film de Nadine Labaki, une lecture de Simone deBeauvoir ou Virginia Woolf : on ne peut qu’être indignée et à la foisétrangement inquiète, devant tant de travail à faire, de son côté et de celuide l’autre.,

2011-12-04T03:32:00.001-08:00

Truman Capote, 2006

Réalisation: Bennett Miller

Production: Caroline Baron,William Vince, Michael Ohoven

Scenario: Dan Futterman d’aprèsGerald Clark

Distribution: Philip Seymour Hoffman (TrumanCapote), Clifton Collins Jr (Perrry Smith),Mark Pellegrino (Richard Hickock),Chris Cooper (Alvin Dewey), Catherine Keener (Nelle Harper Lee)

Musique : Michael Danna

Genre: Biopic

Sujet : Truman Capote est un écrivain reconnuaméricain, qui entreprend d’écrire un livre sur le meurtre de la famille Clutter,Kansas...

C’est un film qu’il faudrait davantage voir comme uncomplément du livre de Truman Capote, et non une adaptation, comme s’estcontenté de le faire Richard Brooks en 1967, qui était d’ailleurs très bienfait et documenté. Non, c’est la relation entre Truman Capote et les deuxmeurtriers qui intéresse ici Bennett Miller : il n’est question du meurtrequ’à la fin.

Philip SeymourHoffman est époustouflant dans ce rôle délicat de Truman Capote, sans jamaistrop en faire : on croit à son personnage comme si l’écrivain lui-mêmeavait joué dans le film. La reconstitution de l’époque est réussie. Le seulregret que l’on peut avoir est que Bennett Miller ne se soit pas un instantpenché sur la population de Halcomb : une belle occasion de dresser un portraitde l’Amérique de cette époque n’a pas été saisie malheureusement. Mais on sedoute que la relation entre cet auteur mondain et ses deux tueurs était assezvaste pour délaisser certains éléments du livre.

Car il s’agit bien de l’histoire d’un écrivain qui s’estpassionné pour un sujet qui n’avait rienà voir avec son monde. Et pourtant l’auteur de Breakfast at Tiffany s’est lié d’amitié avec un tueur victime dedéboires familiaux et de la société, Perry Smith. De longues visites dans lecouloir de la mort se succèdent, confrontant un détenu espérant s’en sortir etun écrivain focalisé sur l’écriture de son livre. Ces deux hommes, dont lespersonnalités diffèrent et en même temps se ressemblent, vont vivre une étrangeamitié intéressée. En effet, si Perry attend de Truman Capote un soutienjudiciaire, l’autre espère tenir le roman « de la décennie », quipourrait lui donner une gloire certaine.

Lourd travail de quatre ans, cet auteur n’a sans doute pasdû réfléchir sur ce qu’impliquait un tel projet d’un point de vue personnelquand il l’a commencé. Désespérant de trouver une fin, sa vie de couples’effritant un peu et son penchant pour l’alcool montant en flèche, il estpresque aussi seul avec son idée fixe que Perry Smith avec la vallée de larmes qu’estsa vie. Le véritable coup de maitre de Capote est d’avoir détecter très tôt dans cette affaire un sujetpassionnant sur la société américaine. A ses côtés, on a la joie de voirl’énigmatique Harper Lee, amie de Capote, le soutenir. Auteur de l’inoubliable« To kill a mockingbird », dont le film de Robert Mulligan (1962) estd’ailleurs excellent, sa personnalité contraste étrangement avec celle de sonami. Alors que Truman est assez mondain et quelque peu égocentrique, elle restetrès discrète sur ses écrits et pour sa vie privée.

Il est intéressant de constater que dans les deux films, onne soit jamais arrivés à trouver des acteurs aussi marqués que les vraistueurs, Perry Smith et Richard Hickock. Les photos qu’a prises le célèbrephotographe Richard Avedon témoignent de personnalités fragiles : lesacteurs ne sont pas aussi cicatrisés physiquement. Ce meurtre de la familleClutter, parfaite, reste un évènement extrêmement perturbant : en photos, enfilms, et en livre.

2011-12-02T09:56:00.001-08:00

Intouchables, 2011

Réalisation: Eric Toledano et Olivier Nakache

Production: Nicolas Duval, Yann Zenou, Laurent Zeitoun

Scenario: Eric Toledano et Olivier Nakache

Distribution: Omar Sy (Driss), François Cluzet (Philippe), Audrey Fleurot (Magalie), Anne le Ny (Yvonne)

Musique : Ludovico Einaudi

Genre: Comédie Dramatique

Sujet : Driss est engagé en tant qu’assistant de Philippe, paralysé suite à un accident de parapente. Cette étrange association va se révéler plus solide qu’elle ne le paraissait...

C’est un film qui a mérité son succès : l’intrigue etles dialogues sont un régal à chacune des scènes qui défilent, et on estpresque triste quand le film arrive à sa fin. Le fait d’avoir associé unehistoire sur le handicap et la comédie était un pari risqué, maismerveilleusement tenu par Toledano et Nakache.

La relation entre Driss et Philippe, que pourtant toutséparait ne peut que nous faire apparaitre que l’amitié n’a pas de règles.Sorti tout droit de sa cité et un casier judiciaire déjà chargé, Driss se faitengagé par Philippe, passionné de peinture et de littérature, presque paraccident. La confrontation de deux milieux, cultures, donnent lieu à desdialogues tantôt drôles, tantôt émouvants. Se complétant étrangement dans leursproblèmes respectifs, cette amitié hors du commun reste un bel hymne à la vieet ses surprises. En fin de compte, ce sont deux êtres qui se sauvent deleur solitude respective : l’une provoquée par l’handicap, l’autre par sonmilieu.

Les femmes, dans ce film, ne sont pas pour autant mise àl’écart par cette amitié : Yvonne nous apparait comme une domestiquesympathique, Magalie est l’occasion de scènes drôles, et la future femme dePhilippe occupe un rôle touchant, bien que mystérieux.

Il y a des moments où il y a presque une notion dedocumentaire comme lors des séquences dans la cité de Driss, d’autres quisont très drôles (danse), certaines touchantes comme la fin. Le monde desriches est ridiculisé, celui des pauvres dépeint sans mélodrames. Le plus grandmérite de ce film reste donc de traiter de beaucoup de choses, et avecsensibilité. Le contraste entre les deux milieux est très bien vu.

Omar Sy et François Cluzet sont tous les deux exceptionnelsdans deux rôles complètement différents : on peut deviner le travail dontils ont dû faire preuve pour donner un rendu aussi réaliste. Voilà des acteurssympathiques dans des rôles sympathiques. La mise en scène est tout à fait àl’honneur, et cela fait plaisir de voir que ce film est un succèsfrançais : personne ne s’y trompe quand il s’agit de très bonsdialogues !

2011-11-11T09:38:00.001-08:00

De l’ombre à la lumière

(Cinderella Man), 2005

Réalisation: Ron Howard

Production: Brian Grazer, Ron Howard, PennyMarshall

Scenario: Akiva Goldsman, Cliff Hollingsworth, GabyMitchell

Distribution: Russell Crowe ( James J.Braddock), Renée Zellweger (Mae), Paul Giamatti (Jo Gould), Craig Bierko (MaxBaer)

Musique : Thomas Newman

Genre: Biopic

Studio: Universal

Sujet : James Braddock était un bon boxeur avant laGrande Dépression. Il tente de survivre avec sa famille, jusqu’au moment où onlui propose de revenir sur le ring...

Voilà un biopic qui a le suspense d’un très bon thriller.Alors que nous suivons avec curiosité le parcours de James Braddock, la finnous révèle davantage de surprises ! C’est un film très juste sur la boxe,qui ne tombe pas dans le mélodrame absolu mais décrit néanmoins avecsensibilité cet univers à part. De plus, la reconstitution de l’époque estparfaitement réussie, avec un grandréalisme.

On l’aura compris, Braddock était important à l’époque pourles classes populaires, qui voyaient dans la montée de sa carrière un espoir pourleur situation critique. Véritable étendard de ces gens vivant dans la misèresuite à la crise, son parcours personnel n’est pas tellement différent de celuides autres. Cela donne donc une double richesse au film que l’on peut percevoircomme un témoignage des années 30.

Outre les liens conjugaux avec Mae, le film poursuit aussila relation de Braddock avec Gould. Ainsi, le portrait Du boxeur se fait aussià travers son entourage, comme le voulait le réalisateur. On le voit en effeten tant que père de famille, mari, boxeur, ami, ouvrier. Ces multiples facettesdu personnage font que l’intrigue suit un rythme qui ne tombe jamais dans lemélodrame et nous rend le boxeur encore plus sympathique. Et si sa femme Maefinit par ne plus comprendre son mari, et sa soif de boxe, c’est une chose quiapparait clairement dans le scénario. Voulant se venger du monde de la boxe quil’a rejeté alors qu’il était blessé, son retour doit devenir un triomphe.Enfin, le métier de boxeur reste sans doute une vocation à part entière, qu’ilest impossible d’abandonner. Partagé entre sa passion et sa famille, Braddockarrive étrangement à partager son temps, ce qui n’a pas dû compter pour riendans sa notoriété. Le rôle de l’homme parfait fait encore ravage chez lescélébrités aux Etats-Unis, la preuve en est de Tiger Woods en 2009. Ainsi lecombat de cet homme devient un combat national, dont on peut percevoirl’importance grâce à la mise en scène très réussie du film, qui sait se faireoublier au profit de son sujet.

On peut dire que Russel Crowe se fond dans le décor comme ill’avait fait avant à l’époque de Robin des Bois ou dans Gladiator. Ecumanttoutes les époques, son jeu ne perd pas au fur et à mesure de ses films. Toujoursdans la sobriété, il fait partie de ces acteurs que l’on a plaisir à retrouver.Pour ce qui est de Zellweger, elle est très bien dans ce film, sans pour autantlaisser de côté ses mimiques grimaçantes de temps à autre. Dans le rôle duguide, Paul Giamatti, est excellent dansles dialogues avec Braddock.

2011-11-02T10:16:00.000-07:00

The artist, 2011

Réalisation: Michel Hazanavicius

Production: Thomas Langmann

Scenario: Michel Hazanavicius

Distribution: Jean Dujardin (George Valentin),Berenice Jo (Peppy Miller), James Cromwell (Clifton), Penelope Ann Miller(Doris), John Goodman (Al Zimmer)

Musique : Ludovic Bource

Genre: Comédie Dramatique

Sujet : George valentin est un jeune acteur sur lavague de la gloire. Il rencontre une jeune actrice, alors figurante, mais c’estsans compter l’arrivée du cinéma parlant et la crise de 29...

Faire un film muet à notre époque était un pari risqué. Maisbien évidemment, Hazanavicius, qui avait réussi les années 60 avec les deux OSS117, il fallait qu’il réussisse aussi les années 20. La reconstitution del’époque est parfaitement réaliste : on a vraiment l’impression deregarder un véritable film muet avec une qualité extra.

Mais c’est un hommage à ce cinéma, que l’on a tendance àoublier : l’intrigue est d’un tel lyrisme, qu’on est surpris des’apercevoir que l’on peut être ému par un film muet, encore aujourd’hui.Toutes les vieilles recettes sont utilisées à la perfection, et ça marche.

L’histoire, d’ailleurs, oscille entre le drame et lacomédie : le rire est au rendez-vous dans certaines scènes, mais si lefilm se termine par un happy ending, ilse trouve des moments où on est vraiment ému. La tentative de suicide,l’incendie, Peppy Miller pleurant dans sa voiture sont des scènes toutes aussiémouvantes les unes que les autres.

Rendant du même coup hommage aux grands classiques, on nepeut s’empêcher de relever avec joie les clins d’œil à Chantons sous lapluie, à Vertigo ... Faut-il que Hazanavicius aime lecinéma et son métier pour nous réserver de telles surprises !

Leur histoire, alors qu’elle aurait s’annoncer assezprévisible, nous ménage pourtant quelque surprise : allongée dans letemps, la gloire ne sépare pas les deux protagonistes, mais finit par lesrapprocher. Faut-il y voir un hommage à la magie du cinéma ? Des villasluxueuses hollywoodiennes au taudis de George, ils se cherchent constamment endépit des malheurs de leur métier et leur époque. Ruiné, désillusionné, oublié,la longue chute de George n’a pour rayon de soleil que Peppy, joyeuse starmontante.

Berenice Jo est tout simplement rayonnante et se comportecomme si elle était née dans les années folles, quant à Dujardin, il estabsolument fait pour le rôle : entre comédie et drame, il fait tout avecle même naturel, qui fait bien son charme. Le chien est indispensable àl’histoire, et fait pour l’originalité du film. La mise en scène est géniale,sans hyperbole, et nous propulse tout droit dans les années 20, et c’est uneagréable plongée dans cette joyeuse époque du cinéma. On se tait tous dans lasalle, et parfois dans le plus grand silence : ce retour aux origines duseptième art est décidément une très belle expérience !

2011-11-01T05:31:00.000-07:00

Dream House (2011)

Réalisation: Jim Sheridan

Production: James G. Robinson, David Robinson,Daniel Bobker, Ehren Kruger

Scenario: David Loucka

Distribution: Daniel Craig (Will Atenton), Naomi Watts(Ann Patterson), Rachel Weisz(Libby Atenton), Marton Csokas (Jack Patterson), Taylor Geare (Trish), ClaireGeare (Dee Dee)

Musique : John Debney

Genre: Suspense

Studio: Warner Bros

Sujet : Will s’installe avec sa famille dans unenouvelle maison, décidé à se consacrer à l’écriture de son livre. Mais il apprendqu’un meurtre a eu lieu dans cette même maison...

Jim Sheridan ne cesse d’exploiter la famille, et il le faittrès bien : on l’avait déjà vu avec Brothers, dans Aunom du père, mais voilà que le suspense est à l’ordre du jour. Mais ilne faut pas s’y méprendre : il se contente d’exploiter les bonnes vieillesrecettes, qui marchent, mais il n’y a pas de grosses surprises.

On peut déplorer unretour au bon sentiment américain, au moment où Will dit adieu à safamille : il semblerait qu’il soit indispensable de faire des scènesd’adieux interminables de peur de ne pas tout se dire. Mais à part cela, lescénario est loin de tomber dans la facilité, rappelant presque par moments Mulholland Drive, rendant les éléments de l’intrigue toujoursplus confus au fur et à mesure que le film avance.

Will retrouve donc une maison où il s’y passe des chosesétranges, où des gothiques se retrouvent dans les sous-sols pour adorer lemeurtrier (le fanatisme y est d’ailleurs très bien vu), et où un rôdeur tourne autourde la maison. Craignant pour sa famille et les craintes de sa femme devenantcontagieuses, il se renseigne sur le père assassin. Il aurait tué ses deuxfilles et son épouse...et il apprend que c’est lui.

Alors que l’on pouvait penser que la bande-annonce dévoilaittout du film, elle n’en dit qu’un tiers. Le reste du film traite bien ducheminement personnel de Will pour trouver la vérité. Très perturbé pendant 5ans après un tel drame, les sentiments et les hallucinations se succèdent. Véritédérangeante, rêve idyllique, qui est donc ce monstre qu’il ne connaissait pasen lui ?

Le plan où Will apprend son éventuelle responsabilité dansune telle monstruosité, Sheridan est formidable : même si on pouvait s’yattendre, on pose un regard tout autre sur Daniel Craig qui nous parait plusfou que jamais.

Exploitant un cadre aussi intime que la famille, lespersonnages ont bien le temps de se construire sous nos yeux, et c’est avecétonnement qu’on s’aperçoit qu’on ne sait plus comment les regarder à la fin.

La distribution est parfaite, où tous les acteurs se donnentla réplique avec naturel. Même lespetites, les sœurs Geare, arrivent à nous mettre mal à l’aise : elles fontquand même partie des seuls enfants défunts du cinéma américain !

2011-10-11T11:11:00.000-07:00

Et maintenant on va où?

2011

Réalisation: Nadine Labaki

Production: Anne DominiqueToussaint, Nadine Labaki

Scenario: Nadine Labaki, Jihad Hojeily, Rodney AlHaddad

Distribution: Nadine Labaki (Amal), Leyla Fouad(Afaf), Claude Msawbaa (Takla), Julian Farhat (Rabih), Antoinette El-Noufaily(Saydeh), Haidar Ali (Roukoz)

Musique : Khaled Mouzanar

Genre: Drame

Sujet : Un village isolé souffre de l’hostilité entremusulmans et chrétiens. Les femmes décident alors de prendre les choses en mainpour éviter de perdre leurs proches...

Enfin, voilà le deuxième film de Nadine Labaki ! Aprèsle superbe « Caramel », elle nous enchante une fois de plus, maiscependant avec un sujet beaucoup plus réaliste. Elle nous entraine au cœur d’unvillage souffrant des différences religieuses.

Mais Nadine Labaki se devait de parler des femmes. Et on nelui en veut pas, car elle le fait très bien : notre féminité nous entrainealors qu’on suit toutes ces voisines réfléchissant, et trouvant des solutionsavec leur bon sens. Toutes très sympathiques et attachantes, elles ont chacuneleur drame personnel : la perte de leur mari, leur fils, en raison de leurreligion. C’est à l’aide d’une troupe de prostituées roumaines qu’elles vonttenter d’occuper les « hommes à autre chose », et de les isoler deces questions politiques. Elles vont donc déclencher une dispute alors quepassent les informations, mettre de l’herbe dans leurs gâteaux, et troquer levoile pour l’eau bénite (et vice-versa). Et le plus étonnant de tout cela,c’est que roumaines et libanaises finissent toujours par se comprendre, dansune langue universelle des femmes, avec ses codes propres.

Les hommes ne sont pourtant pas délaissés : ils ontchacun de véritables rôles, et sont aussi l’occasion de scènes amusantes, et debonnes répliques. Un monde de femmes, oui, mais parmi des hommes.

L’entraide est le mot d’ordre pour ces dames mais ce n’estpas pour autant que tout le film est sous le signe de la solennité. Il se trouve des moments où l’onrit avec elles, comme si nous y étions. Les femmes ont bien des charmes, maisc’est surtout dans les dialogues que cela se voit dans Et maintenant onva où ?. Elles se taquinent, rient, se moquent, raisonnent, dans unmélange très naturel. Certaines scènes peuvent être considérées commemusicales.

Mais le début du film avec ses femmes en noires nous avertitbien du propos du film, qui tend vers le dramatique. On ne peut qu’êtreimpressionnés lorsque Nadine Labaki s’énerve dans son café, et se met à hurlerson désespoir alors que les hommes ne semblent pas se préoccuper de conserverla paix. Ou encore lorsqu’une de ces femmes tire sur son fils pour l’empêcherde venger la mort de son frère. Brisées, mais bien déterminées, elles vontlutter jusqu’au bout dans leur combat pour la paix. Seulement, et la fin lemontre bien, ce peuple est trop marqué par ses conflits pour savoir quel cheminprendre : d’où la fameuse question du titre dans le cimetière.

Voilà un voyage au Liban, avec des libanaises et leurshommes, et une immersion dans le domaine des femmes. Les femmes qui portent cesrôles sont toutes exceptionnelles, nous font oublier les stars hollywoodiennespour un temps, et sans regret.

2011-10-03T12:55:00.000-07:00

Harold et Maude

(Harold and Maude), 1971

Réalisation: Hal Asby

Production: Colin Higgins, Charles Mulvehill

Scenario: Colin Higgins

Distribution: Ruth Gordon (Maude), Bud Cort(Harold), Vivian Pickles (Mrs Chasen), Charles Tyner (Oncle Victor)

Musique : Cat Stevens

Genre: Comédie dramatique

Studio: Paramount

Sujet : Harold est un jeune garçon fasciné par la mort,isolé dans sa richesse. Maude est une vieille dame excentrique pleine de joie de vivre. Ils vont serencontrer...

Voilà un film qui ne peut que nous enchanter. L’excentricitéest à l’ordre du jour, et jamais elle nous a paru aussi adorable. C’est avecune profusion de scènes naïves et sensibles que Harold et Maude nouséblouissent.

Maude est une vieille dame qui n’a rien à perdre dans lavie. Ancienne rescapée des camps, elle croque la vie à pleines dents et vasauver Harold. Son caractère d’artiste incomprise, ses frasques quotidiennessurprennent encore aujourd’hui. Elle aime d’ailleurs tellement la vie et sescharmes, qu’elle se suicide le jour de ses 80 ans. La peur de ne plus pouvoirfaire ce qu’on désire l’engage à un tel sacrifice, car ce sera la fin de sarelation avec son jeune compagnon. Mais la fin nous fait bien comprendre queson influence sur Harold ne veillera jamais : il joue du banjo, lui qui nefaisait rien de sa vie avant de l’avoir rencontré.

Mais, en réalité, Harold occupait son temps avant de trouveren Maude sa fidèle compagne : il mettait en scène des suicides. Faisantainsi toujours peur à sa mère, véritable caricature de la bourgeoise névrosée.L’atmosphère qui se dégage d’un tel quotidien donne lieu à des scènessurnaturelles. Perdu dans un milieu qui ne lui convient pas, il va voir sononcle Victor, général : devenu dingue au cours de ses années de service,il offre un visage peu flatteur des forces militaires. Le psychiatre que vavoir Harold, montre combien la psychanalyse se retrouve impuissante devant detelles habitudes de vie.Ne parlons pas ce prêtre Derrière le couple Harold/ Maude, c’est tout unportrait de la société de l’époque, qui ne manque pas de nous faire rire.

Le film avait parié sur un sujet qui était bien risqué, etque, même encore aujourd’hui, on n’ose pas vraiment aborder avec autant defranchise : l’amour malgré la différence de l’âge. Avec plus de 5o ansd’écart, les sentiments naissent au cours des moments passés ensemble.Seulement, c’est avec justesse que ce film rappelle que ce type de relation nesemble appartenir qu’à ceux que la société ne cherche pas à comprendre. Etsurtout ceux qui ont la force de ne pas s’en soucier. Peut-être qu’il se trouvebien des Harold et Maude dans ce monde, mais qu’on évite de voir.

Mais c’est aussi un film qui montre l’écart des générationsà travers la relation de Harold avec sa mère : pourtant, il est loin debrosser un portrait de la jeunesse heureuse. Ni les adultes, ni les jeunes nele sont : c’est la génération de Maude qui l’est, malgré toutes sessouffrances. Peut-être comprend-on mieux le bonheur lorsqu'on a souffert.

La musique de Cat Stevens se fond parfaitement avec le genredu film, et Ruth Gordon nous offre une prestation qui n’a d’égale que celle deBud Cort. Tous les deux dans leur rôle jusqu’au bout, ils nous font suivre cecouple avec émerveillement.

2011-10-01T01:56:00.000-07:00

American Beauty, 1999

Réalisation: Sam Mendes

Production: Bruce Cohen, Dan Jinks

Scenario: Alan Ball

Distribution: Kevin Spacey (Lester Burnham),Annette Bening (Carolyn Burnham), Thora Birch (Jane Burnham), Wes Bentley(Ricky Fitts), Mena Suvari (Angela Hayes)

Musique : Thomas Newman

Genre: Drame

Studio: Dreamworks

Sujet : Lester Burnham vit avec sa femme et sa filledans une banlieue américaine tranquille. Mais peu à peu, il prend conscienceque sa vie n’est jamais ce qu’il a recherché...

Peu de films arrivent à dénoncer des choses avec simplicité.Mis à part le genre du documentaire, la fiction doit arriver à accrocherl’attention du spectateur, sans pour autant tomber dans dénonciation constante. American Beauty est arrivé à surmonter cette difficulté, àtravers les personnages de la famille Burnham. Emblème de celle qui a réussi,cette maison a une face cachée qui ne manque pas de nous faire rire, parfois,même si la note finale reste dramatique.

C’est suite à une prise de conscience soudaine que Lesterestime qu’il doit arrêter de mener sa vie comme il l’a toujours fait. Remettanten question chaque geste quotidien, jusqu’à son entourage directe, avec uneironie que nous rend très bien la voix-off, il démissionne de son travail etvit sa révolution personnelle. Se mettant au sport pour plaire à la camarade desa fille, fumant l’herbe que lui procure le copain de sa fille, n’aimant plusde sa femme que le spectacle pathétique qu’il lui offre... voilà un nouveaudépart incompréhensible pour son entourage. C’est d’ailleurs son environnementqui va le tuer, malgré toutes les démarches faites pour changer de vie. Tué parson voisin après un moment délicat, sa vie se termine en un meurtre qui nel’étonne pas lui-même.

Pour ce qui est de sa femme, elle-aussi vit une révolution.Etouffant dans sa carrière professionnelle qui n’arrive pas à décoller, perduedans sa vie conjugale et familiale, la métamorphose de son mari finit pardéclencher la sienne. Elle prend comme amant un homme qu’elle admire et profited’elle, et est persuadée de comprendre sa fille alors que c’est tout lecontraire. Pourtant, alors que Lester finit par devenir heureux juste avant demourir, elle ne le sera jamais. Se battant contre ses propres démons, ellepleure comme une enfant dès qu’elle seretrouve seule. Elle touche le désespoir jusqu’à vouloir la mort de son mari.Personnage haut en couleurs, on la suit dans son parcours écrit d’avance, etrien ne nous étonne : c’est là la force du scénario.

Jane voit bien ce que la situation conjugale de ses parentsimplique pour la vie familiale. Ne trouvant aucun réconfort auprès de son amieAngela, elle éprouve une forte attirance pour son voisin énigmatique, Ricky.Tous deux exclus et mal-aimés, ils en arrivent à mépriser l’avenante Angela,bourrée de complexes, « sans personnalité ».

Chaque scène de la vie familiale apparait tellement vide desens et sans intérêt que plus rien ne nous étonne. Le drame arrive dans le filmalors qu’on s’en doute depuis longtemps. Parfaite représentation du prétendurêve américain, où tout conduit à vivre une existence conformiste.

Le casting est excellent, et la mise en scène de SamMendes accompagne les acteurs avecjustesse.

2011-09-25T11:30:00.000-07:00

18 jours, 2011

Réalisation: Khaled Marei, Ahmad Alaa, KamlaAbou Zikri, Marwan Hamed, Yousry Nasrallah, Sherif Arafa, Mariam Abou Of,Mohamed Ali, Sherif El Bendari, Ahmad Abdallah

Production: Ehab El Koury, Amin el Masry, FadiFahim, Mohamed Hefzy, Salma Osman

Distribution: Mona Zakki, Ahmed Dawoo, Am Abdo,Bassem Samra….

Genre: Drame

Sujet : 10 courts-métrages de différents réalisateurssur la révolution en Egypte, en janvier 2011...

Voilà une preuve que le cinéma peut réellement devenir unearme pour dénoncer les problèmes de son temps. D’habitude, on attend toujoursun temps avant de parler d’évènements tristement célèbres. Pourtant, pour 18 jours, ce n’est que quelques mois après, et on devine quequelques scènes de certains courts-métrages ont été tournées en direct de lafameuse place Tahrir. Que certains cinéastes aient perçus l’impact de cetterévolution pour leur pays, c’est indéniable, mais qu’ils aient eu le réflexed’en faire le sujet d’un court-métrage aussi vite, relève du coup de génie.

Le piège de ce genre de rassemblement cinématographique estque certains éléments souffrent de la comparaison avec d’autres. Le premiercourt-métrage est plus que faible et refroidit le spectateur. Le deuxième esttrop fort par sa violence et son réalisme, et il en est de même pour lesuivant. Mais pourtant, d’autres réalisateurs ont fait le choix de dialoguesplus drôles, ou évoluant dans un cadreplus intime. Cette alternance ne peut que nous faire davantage comprendre àtravers les personnages cette Egypte chaotique. Certains sont pour larévolution, et on parle d’ailleurs du rôle des femmes, et d’autres sont despro-Moubarak : le fait de rappeler ces évidences, cachées par la fameuseplace Tahrir, évite un tableau sans nuage d’une révolution unanime.

On ne peut qu’être ému devant ce tailleur enfermé dans sonatelier, écoutant la révolution à travers ses fenêtres closes. La peurl’empêche de comprendre cette révolte. Les problèmes domestiques troublentcette épouse, dont le mari est parti jouer aux pro-Moubarak sur laplace, au point d’ignorer ce qu’il se passe dans son propre pays. Sans oublierle coiffeur qui transforme son salon en un hôpital improvisé, ou encore cejeune perdu dans les nouvelles technologies intrigué par sa voisine manifestante.Et que dire de ces amis qui tentent de profiter de la situation pour vendre desdrapeaux (mais à qui ?). Les histoires se déroulent peu à peu sous nosyeux, chacune différente, inspirées de faits réels ou inventés.

Films tous égyptiens, avec des acteurs et des producteurségyptiens, ils nous propulsent dans un monde et une culture qui ne nous est paspermis de voir aux informations. La pensée égyptienne ne peut-être vue qu’àtravers des documentaires, mais elle est encore mieux traduite lorsque ce sont deségyptiens qui nous la raconte. Et ils ont le mérite d’être de superbestémoignages, quasi directs, de l’atmosphère de ce pays en janvier 2011.

Alors, la magie du cinéma nous apparait plus clairequ’alors, et si c’est avec joie que nous voyons les Egyptiens acclamer durementacquise, c’est avec encore plus de joie que nous les voyons faire un film surle sujet.

Si les acteurs sont parfois très mauvais, d’autres enrevanche méritent bien des applaudissements. Ce ne sont pas des stars, mais cesont des Egyptiens : et cela suffit pour nous faire vivre avec eux cetterévolution de Janvier.

2011-09-06T12:55:00.000-07:00

Dinner withfriends, 2001

Réalisation: Norman Jewison

Production: Patrick Markey

Scenario: Donald Margulies

Distribution: Andie MacDowell (Karen), DennisQuaid (Gabe), Toni Collette (Beth), Greg Kinnear (Tom)

Genre: Comédie Dramatique

Studio: HBO Films

Sujet : Quatre amis se voient souvent pour savourer dedélicieux diners, jusqu’à ce que Beth apprenne à Gabe et Karen que Tom laquitte...

Voilà un film qui est réaliste au point d’en être troublant.En effet, les dialogues effleurent nos fragilités quant à la vie de couple et àl’amitié. En conclusion, vous l’avez compris, rien n’est jamais simple, ni pourl’un ni pour l’autre. L’idée peut paraitre assez simple, mais on ne l’a ditjamais assez. Ce que connaissent ces quatre amis peut aussi être le lot de nosvoisins, ou le nôtre.

Le film pose en effet une question intéressante : àquel point peut-on être les amis d’uncouple qui divorce ? En tenant compte, évidemment des conditions derupture. Ici, Gabe et Karen adoptent de position très différente : ellerefuse de revoir Tom qui a trompé Beth, et Gabe réagit de façon moins radicaleen écoutant la propre version de Tom. Outre le vécu du couple qui divorce, quin’est pas simple, et ce depuis le commencement de leur histoire, Karen et Gabevont eux aussi être fragilisés par la rupture de leurs plus chers amis. Entreces deux histoires de mariages, les deux ne paraissent en fin de compte quetrès fragile.

Le principe du film, qui se traduit par le titre, est queles conversations évoluent toujours autour d’un dîner, sauf pour la dernièrescène. Il est d’ailleurs important de noter que le scénariste nous ménage desdécouvertes culinaires pour chaque scène, et c’est un vrai régal de voir lesacteurs manger un gâteau polenta-amande-citron. Derrière l’intrigue qui traiteavec une grande justesse des relations humaines intimes, on devine un véritablehommage à la cuisine.

Voilà que l’on s’aperçoit peu à peu que les deux femmes sontrivales : Karen est l’épouse modèle qui réussit tout dans sa vie, et dontest jalouse Beth, plus artiste que posée. Et il en est de même pour les deuxhommes : Tom vit une seconde jeunesse et un véritable amour avec samaitresse, tandis que Gabe est très attaché à Karen, mais néanmoins en proie àquelques doutes. La vieillesse de son couple lui fait peur, et c’est d’ailleurssur cette idée que se termine le film. Finalement, les quatre amis quis’étaient promis de vieillir ensemble en prenant du poids, vivront des destinsbien différents qu’il n’est plus possible de lier désormais. La tristesse estalors à l’ordre du jour.

Mais ce qui est le plus magique dans ce film, c’est que tousles personnages sont honnêtes à un moment ou à un autre. Alors que leurshistoires et caractères paraissent tous plus que plausibles, cette spontanéitéreste un grand hommage à la nature humaine : voilà que l’on peut se direbien des choses, même peu agréables, au nom de notre passé commun.

Dennis Quaid, Toni Collette et Greg Kinnear sont tousexcellents, seule Andie MacDowell, si elle est très belle, n’arrive pas àmaintenir le niveau des autres. Mais c’est une simple remarque, loin de ruinerle film, que l’on redécouvre au fur et à mesure que l’on le revoit.

2011-09-05T00:06:00.000-07:00

Super 8, 2011

Réalisation: J.J. Abrams

Production: Steven Spielberg, J.J. Abrams,Bryan Burk

Scenario: J.J. Abrams

Distribution: Elle Fanning (Alice Dainard),Kyle Chandler (Jack Lamb), Joel Courtney (Joe Lamb), Riley Griffiths (CharlesKaznyk), Ryan Lee (Carey), Gabriel Basso (Martin), Ron Eldard (Louis Dainard)

Musique: MichaelGiacchino

Genre: Science-Fiction

Studio: Paramount

Sujet : Nous sommes en 1979, et une bande degamins décide de tourner un film dans une gare d’un patelin des Etats-Unis.C’est alors qu’ils assistent un attentat, qui aura de lourdes conséquences dansla région...

Cela faisait longtemps que je n’avais pas vu un film aussicoupé en deux. Si la première partie tient toutes ses promesses en nous rendantles héros très sympathiques, la deuxième nous fait retomber dans unaberrant film de science-fiction.

En effet, jamais les effets spéciaux n’ont paru aussiinutiles que dans ce film. Alors que l’on s’attend à un monstre effrayant,celui-ci ne nous émeut même pas alors qu’il le prétend, et la peur est loind’être à l’ordre du jour. De plus, et c’est la plus grande critique pour Super 8, est l’absurdité du scénario. Plus l’on avance dansl’action, plus celle-ci nous parait inconcevable, même dans le domaine dufantastique. Comment une bande de gamins peut échapper à un monstre à moins de 5 m, sur le toit d’unbus renversé, et garder leur sang-froid ? Comment une bête immondepeut-elle s’émouvoir après le discours sentimentaliste d’un gosseinspiré ? Pour quoi cet extraterrestre n’est-il pas parti plus tôt au lieude rester sur Terre ? Cette sorte d’E.T. miniature est complètement gâchéepar une succession de scènes aberrantes.

Et pourtant, pourtant, Le début annonçait une belleaventure, avec des personnages réalistes et qui tenait la route. Le caractèrede chaque gamin est très bien construit : Carey est complètement dingued’explosif et nous ravit par ses répliques, Joe est l’éternel enfant-héros quel’on a toujours plaisir à retrouver, et Alice est tout en sensibilité. Mêmel’apprenti réalisateur Charles se fait le porte- parole d’une Amériquepopulaire effrayée par des monstres. Les conversations de ce petit monde estparfois drôle, l’apogée étant : « C’est vraiment moche ladrogue ».

L’éternelle banlieue américaine mise à sac par des forcessurnaturelles : voilà un thème exploré une nouvelle fois avec Super8. Seulement, alors qu’on s’attendait à une histoire émouvante, voilàque rien ne comble nos attentes, et c’est avec le bon vieux discours de lafamille retrouvée que se termine ce film.

Ce qu’il y a de plus important à remarquer pour ce qui estdu casting reste sans doute Elle Fanning. Tout comme sa sœur, elle promet unegrande carrière. Agée de 13 ans, elle a déjà l’étoffe d’une grande actrice.Accompagnée par le talentueux Joel Courtney, que nous suivons avec plaisir, lapetite bande est bien attachante, et nous ne pouvons la blâmer de ne pas arriver à porter une intrigue tirée par lescheveux.

En conclusion, ce serait un bon film, si l’on oublie ladeuxième partie.

2011-09-04T01:17:00.000-07:00

Zodiac, 2007

Réalisation: David Fincher

Production: Cean Chaffin, Brad Fisher, Mike Medavoy, Arnold Messer, James Vanderbilt

Scenario: James Vanderbilt d’après Robert Graysmith

Distribution: Jake Gyllenhaal (Robert Graysmith), Mark Ruffalo (David Toschi), Robert Downey Jr.(Paul Avery), John Carroll Lynch (Arthur Leigh Allen), Brian Cox (Melvin Belli), Chloë Sevigny (Mélanie)

Musique: David Shire

Genre: Drame, policier

Studio: Warner Bros

Sujet : Nous sommes en 1966, un jeune couple est tué en Californie. Le mystérieux meurtrier envoie alors des lettres cryptées au San Francisco Chronicle pour annoncer ses prochains assassinats...

Basé sur des faits réels, ce film est un véritable reportage. En effet bien des choses sont secouées dans cette série de meurtres, qui n’ont pas manqué de perturber profondément l’Amérique de l’époque. Un parallèle semble ici inévitable : après le meurtre de la famille Clutter de Holcomb, qui avait particulièrement intéressé Truman Capote, et qui a aussi intrigué le cinéma par deux fois, voici Zodiac, une décennie pus tard. La criminalité dans un cadre intime semble renforcer cet appel à la sécurité, toujours plus fort chez les américains. Cette sombre affaire de Zodiac est d’autant plus étonnante, que l’on n’a jamais vraiment identifié le coupable. Seul Arthur Leigh Allen, ancien professeur, reste le principal suspect.

Mais le deuxième point commun avec « De Sang-froid » est l’obssession que cette affaire a suscité dans le domaine de la police et de la presse. L’inspecteur Toschi consacrera sa vie et sa carrière à Zodiac, et il en est de même pour Graysmith et Avery. Ainsi, Truman Capote n’est pas le seul à être fasciné de façon maladive par une sombre histoire de crime. Bien plus qu’un thriller, le film rend bien compte de cette idée fixe qui durera tout de même 20 ans. De plus les personnages sont tous attachants, avec pour chacun une personnalité marquée. Graysmith est le jeune excité complètement fasciné par le sujet, et qu’il va finalement réussir à résoudre. Même l’audacieux Avery n’arrive pas à vaincre ses propres démons : il va devenir une vieille épave. Et pour ce qui est de Toschi, c’est l’éternel problème du policier : il se fait peu à peu ronger par cette affaire.

Après une première partie où les crimes de Zodiac se succèdent, tous plus horribles les uns que les autres, la seconde moitié d’un film est consacrée au déroulement de l’enquête. Par là, le film pourrait être considéré comme bavard, mais en réalité, on ne peut que louer le courage de David Fincher d’avoir traité d’un sujet aussi complexe. Marqué lui-même par ce sérial-killer, comme tant d’autres enfants à son époque, il mène à bien un projet très personnel. Alternant scènes de suspense puis démonstrations policières, le rythme est fixé.

Pour ce qui est de la distribution, on peut dire que Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo (et oui, même lui) ainsi que Robert Downey Jr nous tiennent en suspens pendant plus de 2 heures de film. Seule Chloë Sevigny n’a pas la possibilité de nous montrer quoi que ce soit de son jeu ( s’il y a quelque chose à montrer) dans ce petit rôle malheureusement pas assez exploité. De plus, le jeu de John Carroll Lynch dans le rôle du criminel est tout à fait remarquable. Tout dans ce film, y compris la reconstitution des époques successives (60-80) réussies, ainsi que la profusion de détails énoncés par les acteurs évite le piège du thriller : profusion de nouvelles technologies ennuyeuses et démonstrations policières
interminables. A ne pas voir tous les jours à cause de sa morbidité, mais à regarder pour découvrir certains aspects de la culture américaine.

2011-08-15T05:30:00.000-07:00

Ratatouille, 2008

Réalisation: Brad Bird

Production: Brad Lewis

Scenario: Brad Bird, Jan Pinkava

Distribution: Guillaume Lebon (Rémy), Camille (Colette), Thierry Ragueneau (Linguini), Jean-Pierre Marielle (Gusteau), Ian Holm (Skinner), Pierre-François Martin-Laval (Emile),

Musique: Michael Giacchino

Genre: Animation

Studio: Pixar

Sujet : Rémy est un jeune rat passionné de cuisine. Après un accident, il arrive à Paris, et peut enfin réaliser son rêve : devenir un grand chef...

C’est lorsque que nous quittons –ou croyons quitter- l’enfance que l’on apprécie les dessins animés de notre enfance, comme de vieux compagnons que l’on retrouve après une longue absence. Cependant, un débat a lieu pour les nouvelles créations. Vont-elles avoir autant de charmes que notre Disney favori ? Même les Shreks, aussi merveilleux soient-ils ne nous font pas rêver, puisque leur but est de justement renverser le domaine du rêve. Voilà qu’on apprécie les films d’animation avec un autre regard.

Mais la question ne se pose même pas pour le cher Ratatouille. Voilà un film, qui, avec tous ces clichés et son histoire émouvante, nous fait chavirer en sa faveur. On est avides de tous les détails merveilleux dont est peuplé ce Paris éternel, comme de vrais enfants. On aura beau critiquer la machine Hollywood, il n’y a que les américains pour nous servir la France dont mêmes les français se surprennent à rêver. Avec pour sujet la cuisine française, les décors parisiens sont enchanteurs.

Les personnages sont tous très attachants, en commençant par Rémy, bien sûr. Il est le moteur de l’histoire, tantôt drôle, tantôt émouvant. Il est la réplique de l’American Dream, vieux mythe personnalisé en un rat. D’ailleurs, l’idée générale est très bien interprétée par la devise de Gusteau : « Anyone can cook ». Et oui, même un jeune rat venu des poubelles. Il va finalement réussir. La happy ending est tout à fait formidable, et la dernière scène nous ravit.

Pour ce qui est du maladroit Linguini, on peut dire que sous une apparence plutôt classique, une personnalité en devenir se forme sous nos yeux. La relation presque conflictuelle qu’il instaure à son succès avec Rémy débouche sur des aveux émouvants, rares pour le genre cinématographique. La précieuse et autoritaire Colette nous apparait comme un personnage féminin étonnant mais, encore une fois, sous des abords physiques plutôt classiques.

Skinner est un ici un antagoniste plutôt fragile : contrairement à ses confrères, il semble toujours stressé, dont l’autorité est constamment remise en doute, y compris par lui-même. Son angoisse d’être renversé par Linguini lui fera défaut, et le fait que sa fin ne soit qu’expliquée, contribue à faire de Skinner un personnage pas vraiment « méchant ».

La musique nous entraine dans des scènes de cuisine toutes plus magiques les unes que les autres : qui ne se rappelle pas celle de la soupe ?

Et puis, pour ce qui est de la cuisine ! Voilà un film qui nous met l’eau à la bouche ! Qui ne voudrait pas entrer dans ce restaurant à l’atmosphère feutré et chaleureux ? Et goûter à cette omelette matinale préparée dans une pauvre chambre de bonne...jamais la cuisine n’avait été si à l’honneur dans le film d’animation. On ne peut qu’être enchantés devant la famille des rats préparant les plats pour les clients, avec une créativité étonnante, et c’est avec plaisir que nous autres français, acceptons les clichés de notre pays. Pourquoi s’en priver tant qu’ils nous font rire ?

2011-08-13T13:24:00.000-07:00

La planète des singes : les origines

(Rise of the planet of the apes) , 2011

Réalisation: Rupert Wyatt

Production: Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa, Amanda Silver

Scenario: Rick Jaffa, Amanda Silver d’après Pierre Boulle

Distribution: James Franco (Will Rodman), Freida Pinto (Caroline), John Lithgow (Charles Rodman), Brian Cox (John Landon), Andy Serkis (César)

Musique: Patrick Doyle

Genre: Science-Fiction

Studio: Twentieth Century Fox

Sujet : Will Rodman veut sauver son père en mettant au point un remède contre la maladie d’alzheimer. Il teste son médicament sur des chimpanzés en laboratoire, ce qui va avoir des effets inattendus...

Voilà un scénario audacieux... A l’heure des scénarios standardisés, celui-ci prouve combien l’originalité peut encore payer dans le domaine du cinéma.

Le film est un excellent divertissement, tout en réservant quelques petites subtilités qui nous font réfléchir. Traitant de l’origine de La planète des singes de Pierre Boulle, que l’on connait tous, le scénario prend l’initiative sans pour autant détourner l’intention première de l’auteur. Les informations annoncent même le départ de la fusée qui va ensuite revenir sur Terre, dans le livre. Voilà que l’on s’interroge sur la prise de pouvoir des singes. Au lieu de tomber dans une violente révolte des « primates », l’espèce humaine est détruite suite à un virus. Les singes ne voulaient que leur liberté. C’est donc les hommes qui vont se détruire eux-mêmes. L’intelligence des singes, elle, reste une histoire liée à celle de l’humanité jusqu’à un certain point.

Une fois l’absurdité de l’intrigue acceptée, conçus d’ailleurs par Boulle lui-même, les surprises volent de scène en scène. Si l’on n’arrive pas à entrer dedans, alors il ne faut pas se forcer : ce serait peine perdue. Pour ma part, j’ai été émerveillée devant la scène du Golden Gate. C’est fou ce que le cinéma peut transformer un lieu en un vrai décor d’action, de combat.

La relation entre le meneur des singes, César, et Will, est presque familiale : on peut en effet s’y tromper lorsque ce dernier relate au singe sa naissance « ta mère est morte, je t’ai emmené pour m’occuper de toi ». On croirait entendre le récit d’une adoption. Emouvante, ce lien qui les unit puis les sépare, ressemble tantôt à celui d’un père et d’un fils, puis de deux frères... Ce qui est surtout intéressant à constater, c’est leur parcours personnel à chacun. Alors que Will démissionne, abandonnant les recherches de sa vie à jamais, César passe du rôle du singe calme et intelligent au meneur de son armée-pacifiste, sauf pour les antagonistes. Tous deux comprennent la difficulté de continuer une relation à la fin.

La fin reste sans doute la plus belle réussite du film. Les deux dernières scènes sont en effet fantastiques. Même l’idée de faire parler César, pourtant osée, réussit à nous émouvoir. De plus, cette intervention du langage relativise la difficulté qu’on lui prête. Dit par la bouche de César, le « non » de la révolte nous parait un son très simple.

La médiocrité du rôle de Frida Pinto achève de rappeler que la femme n’a aucune place dans un film de Science-fiction. Elle est dans certaines scènes sans qu’on la remarque, et c’est seulement pour faire hollywoodien qu’elle regarde James Franco avec des yeux constamment interrogateurs, en balançant de temps en temps quelques répliques à prétention philosophique. Le monde de la féminité ne coïncide pas avec celui des singes. Le deuxième point négatif est sans doute l’abondance de matériel haute technologie au début du film.

James Franco reste fidèle à lui-même, et il commence à devenir de ces acteurs fiables pour ce qui est du choix de leurs films. Toujours aussi charmant, il joue de mieux en mieux. Le casting reste assez insignifiant dans son ensemble, mis à part John Lithgow, le père, qui relève le niveau. C’est un très bon divertissement, qui est à revoir.

2011-08-03T15:30:00.000-07:00

La duchesse, (The Duchess), 2008

Réalisation :Saul Dibb

Production : Mickael Kuhn, Gabrielle Tana, Andrew Warren

Scénario : Saul Dibb, Jeffrey Hatcher, Anders Thomas Jensen

Distribution : Keira Knightley (Duchesse du Devonshire), Ralph Fiennes (Duc du Devonshire), Charlotte Rampling (Lady Spencer), Dominic Cooper (Charles Grey), Hayley Atwell (Bess Foster)

Musique : Rachel Portman

Genre : Biopic

Studio : Paramount

Alors qu’on pourrait s’attendre à un autre film costumé sans grande profondeur, La duchesse a de quoi surprendre. En effet, le féminisme discret et très efficace de ce long-métrage le distingue de tous les autres, surtout quand il s’agit d’une biographie. Nous suivons avec intérêt le vécu de cette pauvre Duchesse du Devonshire, puisqu’il est retracé sans fard ni paillettes, et traduit la souffrance de bien des femmes de cette époque.

Le plus fort de ce film est qu’il est dépourvu de fin. Cette femme, qui s’est pourtant révolté contre les principes de son temps –vivre pour un temps avec son amant- et ayant accepté des choses inimaginables –comme vivre avec la maitresse de son mari- sera finalement engloutie par cette société morale. Malgré tout le prestige qui fit que sa réputation perdure encore aujourd’hui, l’amour maternel –donc une part de sa féminité- lui fait renoncer à ses rêves pour le bien de ses enfants.

La mise en scène, sobre mais subtile rend l’effrayante histoire de la duchesse encore plus terrible, suceptible de toucher encore plus les spectatrices, s’il était possible. Comme quoi, il n’y avait finalement que peu de différences entre les classes : les nobles n’étaient pas mieux loties en mariage que d’autres. L’ignorance quant à ce qu’implique la vie conjugale se révèle être un désastre pour l’émancipation de la femme, et il fallait bien un homme comme Charles Grey pour rendre heureuse cette femme brisée pour les outrages de son mari. La société des apparences reste le problème majeur de cette vie dictée par les bonnes manières : ici, on peut retrouver quelques points communs avec l’actualité, du moins pour certaines classes.

Mais surtout, ce qui fait que la cause féministe de ce film est encore plus évidente, c’est la constante présence de la Duchesse, dans chaque scène du film, sauf deux : celle où se décide son mariage avec le duc du Devonshire, et l’entretien qu’il a avec sa belle-mère à la naissance de leur première fille. Autrement dit, où elle est le sujet de concentration et où se joue son destin. Cette sorte de focalisation interne rend les combats de cette femme solitaire encore plus oppressants, et les actes de son mari odieux. Ce monstre est en effet tellement crédible que l’énergie de son épouse pour lutter contre lui n’est presque même plus surprenante. Seule contre tous, et n’ayant comme secours un amant avec lequel elle aura passé de très brefs moments. Son bonheur scellera la fin de sa vie amoureuse. Un film qui nous fait dire que notre époque, malgré bien des problèmes, reste préférable à celle-ci, où le bonheur pour une femme était « hors de question ».

Keira Knightley se révèle étrangement bouleversante dans ce film : alors qu’on l’avait vu auparavant dans des rôles plus ou moins sans surprise, elle déjoue ici toutes nos attentes et va jusqu’à faire pleurer le spectateur. C’est sans doute une actrice qui gagnera beaucoup avec la maturité, sachant qu’elle est encore jeune. On peut souhaiter la voir dans de très beaux rôles à l’avenir. Pour ce qui est du reste du casting, on peut remarquer que Ralph Fiennes, Charlotte Rampling et Dominic Cooper sont tout à fait à la hauteur de leurs rôles et des dialogues.

On peut noter que la reconstitution de l’époque et la musique sont très réussies, et font beaucoup pour le charme du film, comme l’a remarqué spectatrice avisée. Un film dérangeant, mais de ceux qui sont à revoir.

2011-06-02T02:41:00.000-07:00

Le chat du rabbin, 2011

Réalisation: Joann Sfar, Antoine Delesvaux

Production: Antoine Delesvaux, Clément Oubrerie, Joann Sfar

Scenario: Joann Sfar, Sandrina Jardel

Distribution: François Morel (le chat), Maurice Bénichou (Rabbin), Hafzia Herzi (Fille du rabbin), Jean-Pierre Kalfon (Malika), Eric Elmosnino (Pr Soliman), Sava Lolov (Peintre russe), Mathieu Amalric (Prince), Marguerite Abouet (Africaine), Mohammed Fellag (Cheik), François Damien (Reporter)

Musique : Olivier Daviaud

Genre: Animation

Studio : UGC

Sujet: Le chat du rabbin révèle à son maître et à sa fille qu’il parle. Dès lors, il éprouve le désir de faire sa bar-mitsvah...

Adaptation de la bande –dessinée de Joann Sfar, on peut dire de ce film que c’est une excellente surprise. L’ensemble est extrêmement divertissant et à la fois intéressant, car il remet très finement en question les religions.

D’un point de vue graphique, pour commencer, on peut constater que les dessins sont splendides, drôles et originaux. Les vues d’Alger sont notamment superbes. Le personnage du chat est très bien conçu, et si on le quitte quelque peu dans la seconde partie du film, il reste notre guide dans cette mosaïque de personnages tout aussi délirants les uns que les autres.

En effet, loin de mettre en scène des personnages inodores, on vole de surprises en surprises pour ce qui est des rencontres que l’on fait : qu’il s’agisse de ce russe excentrique, ou encore du professeur Soliman...ils apparaissent, et nous surprenant toujours, ils se fondent dans une intrigue toute aussi surprenante avec un grand naturel. Tous aussi sympathiques les uns que les autres, ils vacillent chacun entre leurs convictions et leurs hésitations, ce que ne manque de relever le chat, abasourdi devant ces sombres histoires d’homme qui l’attirent néanmoins. Les gags qui découlent de ses interventions sont excellents. Le chat du rabbin ne sert pas seulement à faire rire cependant : il a de l’importance dans l’intrigue, et sa sensibilité se cache dans l’amour qu’il porte à sa jeune maitresse, la fille de son maitre.

C’est un étrange quatuor qui se lance à la recherche de la cité idéale, où règne la tolérance religieuse, sujet récurrent du film. Le rabbin se trouve bouleversé par les réflexions de son chat, les juifs perturbés par l’arrivée d’un russe de la même religion, un orthodoxe qui prie dans une église tenue par un catholique...tout cela se mélange, et toujours dans le but de nous interroger sur nos convictions religieuses. L’intrigue donc évolue : d’une vie rythmée par de très bons moments, la quête du bonheur envahit nos héros, et donne ainsi la tournure d’un conte philosophique au film. Même les seconds rôles sont sympathiques, comme la jeune africaine amoureuse de ce mystérieux peintre russe.

Ainsi, le fond de ce dessin animé ne s’accorde guère à un public enfantin, tant le fond reste très peu accessible à la jeunesse. C’est une grave erreur de nos jours de considérer l’animation comme le domaine de l’enfance : le cinéma entend jouer de toutes ses armes, surtout aujourd’hui...Le meilleur exemple est sans doute Valse avec Bachir, d’Ari Folman (2008), qui a d’ailleurs obtenu un franc succès.

Du beau monde a été rassemblé pour les voix du film, elles se révèlent très bien. La seule touche noire du tableau serait la présence de Mathieu Amalric, qu’heureusement on ne voit pas, et qui est bien, pour une fois de toute sa carrière.

Joann Sfar nous séduit une fois de plus, et son analyse très fine de sa religion s’avère très critique et intéressante. On se plait à espérer de très belles choses encore de ce réalisateur toujours surprenant.

2011-06-01T00:31:00.000-07:00

Minuit à Paris

(Midnight in Paris), 2011

Réalisation: Woody Allen

Production: Letty Aronson, Jaume Roures, Stephen Tenenbaum

Scenario: Woody Allen

Distribution : Owen Wilson (Gil), Rachel McAdams (Inez), Marion Cotillard (Adriana), Michael Sheen (Paul), Kathy Bates (Gert Stein), Tom Hiddleston (Scott Fitzgerald), Alison Pill (Zelda Fitzgerald), Corey Stoll (Ernest Hemingway), Carla Bruni (Guide du Musée), Léa Seydoux (Gabrielle), Adrien Brody (Dali), Gad Elmaleh (Détective)

Genre: Comédie Dramatique

Studio : Sony Pictures

Sujet: Gil est à Paris avec sa fiancée et les parents de cette dernière. Scénariste souhaitant devenir un grand écrivain, il déambule dans Paris la nuit. Il va découvrir le Paris des années 20....

« I don’t mind getting wet. »

Voilà un Woody Allen majeur. Après avoir parlé de la vieillesse dans You will meet a tall dark stranger et de l’amour avec Vicky Cristina Barcelona, le voilà ici qui évoque le temps qui passe avec subtilité tout en nous faisant rire. En effet, son génie réside surtout dans le fait qu’il est capable de faire rire son public avec un humour grinçant (pas toujours au goût de certains, il est vrai) tout en disant des choses très vraies sur la vie de monsieur tout le monde (assez riche néanmoins).

Car Gil est en fin de compte un homme comme les autres : en séjour improvisé à Paris, il regrette les quelques temps qu’il y a passé alors qu’il était plus jeune. Il doit supporter les pressions de sa belle-famille et les amis ennuyeux de sa fiancée qui n’arrive pas à le comprendre. Il s’interroge sur ses choix, et fuit comme il peut sa situation. Voilà qui n’est pas bien original et qui peut parler à chacun d’entre nous. Pourtant, tout change à minuit, dans Paris.

A la recherche d’inspiration, il erre dans les rues silencieuses de Paris, et rencontre par hasard une voiture tout droit sorti des années 20 : des gens l’invitent à les rejoindre, et le voilà immergé dans le Paris de cette époque. Il pourra rencontrer le couple Fitzgerald, Hemingway, Dali, Picasso, Matisse...Il croit rêver, et nous avec lui. Il se plait dans ce monde qui l’a toujours attiré, les années folles semblant bien plus gaies que le présent orageux. Il revient tous les soirs, fait la rencontre d’Adriana, la muse de Picasso, tombe amoureux...La belle vie.

Et elle s’oppose cruellement à la vie qu’il s’apprête à mener avec une femme qui est toujours tournée vers les apparences (tout comme Chris Messina dans Vicky Cristina Barcelona). On peut noter néanmoins que Woody Allen a bien pris soin, ironiquement, de l’habiller dans un style plutôt parisien, alors qu’elle se dit foncièrement américaine : partagerait-elle secrètement le rêve de son fiancé qui est de s’installer à Paris ?

Alors que nous volons de surprise en surprise avec des personnalités des années 20 qui fusent de partout, le présent semble trop prévisible. On comprend la solitude de Gil.

Mais par un hasard étonnant, il se retrouve plus tard à la Belle Epoque, période qui fait rêver la belle Adriana : Gil se rend compte, et nous avec lui, que cette fuite du présent ne prendra jamais fin, que l’être humain est voué à rêver constamment du passé, qui parait toujours plus beau puisqu’on ne le vit pas.

Voilà pour le fond du film, qui nous captive comme tous les autres Woody Allen avant lui...Pour ce qui est de la mise en scène, on peut dire qu’on retrouve les caractéristiques du réalisateur, avec des plans séquences, ces vues urbaines dont il a le secret...

Le casting sublime ce film déjà hors du commun. Owen Wilson joue comme Woody Allen, et arrive ainsi à nous faire oublier l’absence du réalisateur à l’écran, Rachel McAdams est parfaite dans le rôle de la fiancée modèle qui ne réfléchit à rien. Pour ce qui est de Marion Cotillard, elle est très juste, et nous retrouvons avec plaisir la sympathique Kathy Bates...Mais il y aurait sans doute trop d’acteurs à saluer pour leurs prestations. Woody Allen se renouvelle toujours tout en gardant l’état d’esprit qui a fait sa notoriété : voilà une recette qui lui a bien réussi et qui nous ravit également ! Vive Woody !

2011-05-21T01:05:00.000-07:00

Les hommes libres, 2011

Réalisation: Ismaël Ferroukhi

Production: Fabienne Vonier

Scenario: Ismaël Ferroukhi

Distribution : Tahar Rahim (Younes),Mahmoud Shalaby (Salim Hallali), Lubna Azabal (Leila), Farid Larbi (Ali), Michael Lonsdale (Si Kaddour Ben Gabrit)

Musique : Armand Amar

Genre: Drame

Studio : Pyramide

Sujet: Younes est un jeune algérien qui travaille dans le marché noir lors de l seconde guerre mondiale. Il se fait prendre par la police, et doit espionner pour elle la mosquée de Paris. Entretemps, il fait la rencontre du jeune chanteur Salim Hallali...

Une très belle découverte que ce film en salle en septembre : la reconstitution de l’époque est superbe, l’intrigue est originale, et a le mérite de traiter cette page difficile de notre histoire avec une grande justesse. L’immersion dans le milieu musulman au temps de la guerre est une réalité bien peu exploitée au cinéma, du moins à ma connaissance. De plus, il a le mérite de rendre un bel hommage à la culture algérienne, à travers les personnages, la religion, et la musique. De très belles scènes se déroulent dans le cabaret de «L’andalusia », lieu où d’ailleurs se déroule la fin, digne de nos espérances. La musique originale fait beaucoup pour le charme de ce film.

C’est une équipe sympathique et humble (et ils ont du mérite à Cannes) qui a fait ce film qui nous transporte : jamais de temps morts, des interprètes qui se surpassent les uns les autres, et une histoire inspirée de faits réels divers regroupée en une seule histoire. La mosquée de Paris est ici un monde à part qui témoigne bien de la volonté du metteur en scène : faire découvrir un élément oublié d’une page noire de l’Histoire. C’est à travers Younes qu’on vit dans Paris occupé, et nous constatons peu à peu, alors que les péripéties s’accumulent, que c’est un être humain. Car au-delà de l’histoire c’est avant tout le vécu de quelques hommes qui nous tiennent à cœur ; d’où le titre. Il ne veut pas entrer dans la résistance, il a peur, il est en colère, il est amoureux d’une femme...Il vit en des temps difficiles.

La mise en scène est astucieuse mais tout en sobriété. Le plus du film est de pouvoir nous faire découvrir la mosquée de Paris comme si on y était, d’introduire la religion musulmane tout en prenant un certain recul. Le personnage de Si Kaddour Ben Gabrit est un second rôle très intéressant : toujours tourné vers la bonté, il survivra étrangement à la guerre.

Le seul défaut de ce film serait sans doute l’inspecteur nazi : on a du mal à croire que les allemands se baladaient en pardessus de cuir des pieds jusqu’à la tête. Trop de caricature discrédite complètement ce personnage.

Une petite mention particulière pour le talentueux Tahar Rahim qui nous laisse présager de très grandes heures : jamais dans l’excès, il incarne à la perfection ce héros populaire, perdu, puis résigné, et de nouveau désespéré. Pour ce qui est du très beau Mahmoud Shalaby, on peut dire qu’il nous charme par son ton discret et sa présence.

Voilà pour cet excellent film qui trouve le ton juste, qui nous ouvre à autre chose et qui est un très beau témoignage sur les algériens de la guerre, mais aussi ceux d’aujourd’hui, qui se battent encore pour leur liberté.

2011-05-20T09:53:00.001-07:00

Disneys

Il est parfois étonnant de se replonger dans l’univers des films de l’enfance. Après tout, ce sont bien eux qui nous ont donné à tous le goût du cinéma avant l’heure des grands classiques. Orson Welles, tout génie soit-il, ne saurait faire rêver un enfant comme Walt Disney l’a fait. Pourtant, on les néglige parfois: eh oui, il est un temps où on ne s’attarde pas sur les charmes de l’enfance.

C’est ainsi que j’ai dernièrement ressorti certains dessins animés, que je n’avais pas vu depuis des années.Et pourtant, comme tout est simple dans ces intrigues où la vie est présentée comme un jeu, avec l’éternel antagoniste dont on sait qu’il sera platement battu à la fin. Tout parait dans un autre monde, où les histoires sentimentales coulent de source et où le Happy ending est au rendez-vous...

J’ai commencé cette immersion avec Le Roi Lion. On peut dire que les paysages sont magnifiques et que la simplicité de l’intrigue nous rend les personnages sympathiques. Classique, le rôle de Simba est celui du romantique, constamment en conflit intérieur suite au décès de son père pour lequel il se sent responsable, il revient sauver son royaume. C’est digne d’une tragédie, mais qui fini bien. Pour ce qui est seconds rôles, on peut dire que Nala brille par son air innocent qui charme Simba du début à la fin. La magie qui les unit sur « Can you feel the love tonight? » frôle le kitsch absolu, et le fameux Hacunamatata reste dans les mémoires. On revit le dessin animé comme de vrais enfants, et c’est parfait. Il se trouve même le légendaire suspens au-dessus du vide du héros à la fin.

Le deuxième de la liste fut La Belle et le Clochard, dans un tout autre genre, bien que toujours « animalier ». On peut dire que le décor idyllique du quartier de Belle nous ravit, mais que la vie du couple de « Jim chéri » et « Darling » est loin de faire rêver. En effet, c’est un couple qui n’a parfaitement rien à se dire, et qui ne vit que pour le chien avant qu’un enfant arrive. C’est une curieuse image du mariage que nous offre ce dessin animé. Les chiens se retrouvent donc isolés, jusqu’au moment de l’apparition du Clochard, l’éternel « bad boy » qui séduit la Belle. Ce qui est aussi intéressant, c’est que Londres et les pizzerias italiennes semblent se mêler dans un délicieux mélange. Un charme italien en pleine Angleterre : et pourquoi pas ? C’est toujours l’Europe ! Dans tous les cas, c’est un excellent dessin animé, peut-être plus fouillé que le Roi Lion dans son scénario qui ménage quelques rebondissements : le rat dans la chambre, la fourrière...

Pour ce qui est de Mulan, c’est une agréable surprise. Je me souvenais d’un dessin animé qui n’était pas excellent. Pourtant, le caractère de Mulan est assez particulier, et s’oppose par d’autres héroïnes un peu plus effacées, comme Cendrillon, Blanche-Neige. Elle se sacrifie et montre une sacrée trempe, comparée à la faiblesse des hommes : un père invalide, et Chang qui ne fait absolument rien durant toute l’aventure. Aucune action d’exploit, rien : il ne sauve même pas l’empereur, c’est Mulan qui s’en charge. A part montrer une carrure musclée, il se contente d’entrainer l’équipe de choc qui arrivera néanmoins à sauver la Chine. C’est peut-être le seul point faible du film. Mulan se retrouve de ce fait isolée. Même Muschu se révèle très drôle par ses répliques. Les huns sont très bien, ils font sans doute partie des méchants les plus inquiétants de Disney, surtout après la scène d’exposition.

Enfin, Les Aristochats, qui est une plongée dans un Paris au charme bourgeois et digne de tous les clichés avec un clair de lune sur les toits, il reste un des plus sympathiques, surtout grâce au personnage de O’Malley. Cependant, les passages avec les deux chiens s’attaquant à Edgar, qui est un antagoniste original, peuvent se révéler un peu ennuyeuses. Mais ce qui est excellent, et complètement irréaliste est la relation entre Duchesse et O’Malley : comment un chat aussi modeste et simple peut s’enticher d’une bourge qui ne parle qu’en termes précieux et gobe toutes les stupidités qu’il lui débite ? Mais ce qui est intéressant, malgré cette invraisemblance adorable, c’est que le dessin animé présente une autre forme de couple. Ici, Duchesse a déjà trois enfants, et O’Malley se retrouve sans doute le premier beau-père de l’histoire des Disneys. Avec un charme de jazzmen, il oppose un Paris plus modeste, mais bien plus attirant, à la maison de « Madame », superbe mais peut-être un peu ennuyeuse, ne serait la présence loufoque du notaire.

Les charmes de ces dessins animés restent intacts, on en découvre même d’autres, et on s’extasie devant toutes les richesses de ses vieux amis, délaissés trop injustement un moment : mais ne faut-il pas mieux les quitter pour mieux les retrouver ensuite ? Ils n’ auront pas changé...merci, Walt.

2011-05-08T05:25:00.000-07:00

Tomboy, 2011

Réalisation: Céline Sciamma

Production: Bénédicte Couvreur

Scenario: Céline Sciamma

Distribution : Zoé Héran (Laure/Mickaël), Malonn Lévana (Jeanne), Jeanne Disson (Lisa), Sophie Cattani (Mère), Mathieu Demy (Père)

Genre: Psychologique

Sujet: Laure vient juste de déménager et décide de se faire passer pour un garçon auprès de ses nouveaux amis...

L’enfance a toujours fourni de très beaux sujets au cinéma : les énigmes que l’univers mystérieux de cet âge soulève de belles intrigues. On pourra citer par exemple L’incompris, Sa majesté des Mouches, Miracle en Alabama... Mais Tomboy est différent.

Ce n’est pas ici un drame. Il ne s’agit pas de l’innocence d’un enfant bafoué par l’entrée dans le monde des adultes dû à un isolement quelconque.... C’est un film sur l’enfance et ses mystères.

Voilà donc Laure qui découvre son nouvel appartement. Elle vit avec sa petite sœur, avec qui elle est très proche et dont elle partage les jeux. Sa mère, enceinte, offre une figure rassurante, et son père, à qui Laure est attachée, travaille beaucoup. Néanmoins, les parents s’entendent très bien et éduquent bien leurs enfants qu’ils aiment. Cette famille pourrait être celle de gens réels, paisibles. Rien ne semble affecter l’équilibre de l’enfant, rien ne semble étonner : elle n’est pas battue, pas isolée, pas abusée, pas malade...Rien.

Et voilà la force de ce film. Au-delà de tout ce qu’on aurait pu trouver comme trouble psychologique dans le cerveau mystérieux d’un enfant, le scénario a fait le choix d’accepter ses incohérences et d’en faire un film très fin, jusque dans ses énormités. Laure veut être un garçon. Personne ne saura pourquoi, pas même elle (de son propre aveu) ni ses parents qui ne tentent pas forcément de la comprendre, tant ce désir semble naturel. Mais par-delà la volonté, Laure décide de se faire passer pour un garçon. Ainsi, les actes sont les principaux moteurs du film, et non les pensées sur lesquelles on ne s’attarde pas. Si le public se plonge dans des réflexions très profondes, il y a de fortes chances pour qu’il s’agisse de la propre histoire de chacun plutôt que de celle de Laure.

Il est important de dire néanmoins que cette nouvelle identité qu’elle se crée est dû à un incident. En effet, c’est après que la jolie Lisa l’ait prise pour un garçon, que Laure prend la décision de se nommer Mickaël. Tout semble se faire comme dans un jeu. Présentée à tous les autres enfants, tout passe de nouveau comme dans un jeu. Et si Lisa embrasse Mickaël, Laure n’en est pas effarouchée mais plutôt amusée. Ainsi, la facilité avec laquelle la petite fille évolue rend l’idée encore plus consternante : outre Laure, les autres enfants est lui aussi mis en analyse.

D’ailleurs, c’est à la fin que le scénario montre bien comment certaines choses sont oubliées si vite : on revient au point de départ, au moment où Lisa demande à Laure comment elle s’appelle. Il semble alors que les choses peuvent reprendre leur cour et qu’une nouvelle histoire commence. Alors qu’il n’y a pas si longtemps, Laure était jugée par tout un groupe d’enfants écœurés (en gros les spectateurs), où on « vérifiait » si elle était vraiment une fille.

De plus, on pourra s’étonner de toutes les ruses dont joue Laure pour vivre pleinement son rêve, ainsi que de l’intelligence dont elle fait preuve pour mener sa double vie. Et, ce qui est encore plus étonnant dans ce film, et qui achève de nous troubler, est l’évidence que montre le scénario et qu’on avait oublié en grandissant.

Cette évidence, l’a voici : est un âge où le physique d’un enfant n’est pas tellement différent d’un sexe ou d’un autre. Une petite fille de 10 ans, si elle se coupe les cheveux et s’habille comme un garçon peut tout à fait être prise pour un garçon. Cette ambiguïté, que la mode et les conventions ont noyé avec le plus grand tact, nous apparait pleinement avec le physique étonnant de Zoé Héran : ce corps long et musclé, fin pourtant, ne s’accorde pas à une seule case. Le visage, féminin, cache une certaine froideur qui fige les traits et les rend de ce fait plus masculins. C’est une belle petite fille, et c’est un beau garçon. La séduction dont elle joue s’accorde avec les deux sexes. De plus, le jeu extrêmement naturel de l’actrice renforce le message du film.

De cette ambiguïté, sa petite sœur, par contraste, apparait comme « surféminisée ». On constate à quel point cet aspect n’est pas tellement naturel, et on est étonné de se surprendre à contempler cette petite jouer de ses grands yeux comme une femme, nous semble-t-il. Pourtant, ce n’est qu’une petite fille. On en croise tous les jours.

Ainsi, le rôle des parents, malgré toutes ses excentricités est de faire prendre le sens des responsabilités à leurs enfants. De tenter de faire apparaitre la frontière entre le rêve et la réalité : rôle auquel la mère n’aspire pas volontiers. Cette histoire sera sûrement plus dure pour les parents que pour les enfants.

Car oui, Laure ayant fait la confidence à sa petite sœur, cette dernière y croit aussi. C’est d’ailleurs ce que lui reproche la mère.

Pour finir on peut dire que Tomboy est un film exceptionnel. Etrangement, il n’y a plus grand-chose à ajouter si ce n’est que la mise en scène est à la hauteur du scénario et l’interprétation est sublime. Et, surtout, on peut dire de ce film qu’il ne finit jamais : on sort de la salle, avec une impression étrange, que seuls les souvenirs de sa propre enfance peuvent achever de la rendre plus mystérieuse encore.

2011-04-30T08:10:00.000-07:00

Mr Nice, 2011

Réalisation: Bernard Rose

Production: Luc Roeg

Scenario: Bernard Rose

Distribution: Rhys Ifans (Mr Nice/ Howard Marks), Chloë Sevigny (Judy), David Thewlis (Jim McCann), Elsa Pataky (Ilze)

Musique: Philip Glass

Genre: Biopic

Sujet: Howard Marks est un étudiant modèle qui se laisse séduire par le trafic de drogue, dans le vent des seventies...

On peut dire de ce film que c’est une déception dans l’ensemble. Alors qu’on pourrait s’attendre à un film retraçant le parcours chaotique d’un dealer célèbre, on n’assiste qu’à une succession de scènes assez incompréhensibles pour la plupart. Peut-être que la vie du personnage mis en scène a vécu une vie bien trop mouvementée pour être exactement retracée, mais on aurait pu espérer plus de construction pour ce film.

On peut dire que l’humour, la liberté s’oppose à une époque malgré tout mouvementée : l’IRA , la mafia, la justice enfin. D’ailleurs, attardons-nous un instant sur cette justice assez étonnante : l’accusé, après avoir fait passer des tonnes de drogues à toutes les frontières d’Europe, se trouve condamné à 25 ans de prison alors qu’il ne fait plus grand-chose, puis est libéré au bout de cinq ans. Tout semble contribué à faire de ce film une comédie, une sorte de deuxième I love you Philip Morris.

Cependant, l’univers et l’esprit des années 70 est très bien reconstruit et on se laisse séduire par ce personnage, Howard Marks, pauvre étudiant gallois à Oxford, qui devient un dealer fréquentant : a mafia, l’IRA, et les services secrets anglais. De plus, le charisme de Rhys Ifans semble incarner un personnage haut en couleurs des seventies : complètement à contre courant, on peut se demander comment un homme comme celui-là, défoncé la plupart du temps, a pu instaurer un trafic entre le Pakistan et la Grande-Bretagne. Le personnage est attachant dans toutes ses excentricités, et on se laisse porter par le film.

La prestation de Chloë Sevigny n’apporte pas grand-chose au film, voir le dessert : si Rhys Ifans parait aussi défoncé que le vrai Howard Marks, il n’en est pas de même pour l’actrice. Elle a sans doute cru que rendre ses yeux plus vitreux que jamais (s’il était possible), et baisser la tête constamment aller faire d’elle une junkie reconnue. Raté.

Tourner le film en caméra mobile pour mieux rendre l’univers psychédélique est un très gros défaut de la mise en scène : c’est plus fatiguant qu’autre chose et n’apporte pas grand-chose à l’ensemble.

Et tous les bons sentiments reviennent à la fin, où l’on tente de nous faire croire aux joyeuses retrouvailles en famille, sans l’ombre d’un nuage : l’optimisme est de bon ton pour finir la vie de cet homme, et s’embêter à douter de ses responsabilités serait contre toutes les règles du cinéma. Mr Nice reste Mr Nice, et la vie qu’il a mené en fin de compte, nous fait plus sourire qu’autre chose, tellement tout cela semble rocambolesque : nous sommes dans la classe de dealers qui sont heureux et profite de leur argent, et non pas avec de pauvres gens exploités pour que quelques gosses de riches s’envoient en l’air, comme pour le marché de la cocaïne aujourd’hui. On rit, c’est les seventies, tout ça semble remonter à plus loin qu’on le croit d’abord. Il n’y a pas si longtemps, la police ne savait que peu de choses concernant les drogues hallucinogènes, ou autres. Mr Nice n’aurait pu vivre à notre époque et c’est sans doute cet aspect qui nous le rend plus sympathique qu’il l’est réellement. Un bon film,oui, mais qu'on ne voit qu'une fois.

2011-04-25T06:13:00.001-07:00

Grease, 1978

Réalisation: Randal Kleiser

Production: Allan Carr, Robert Stigwood

Scenario: Allan Carr, Bronte Woodward

Distribution: Olivia Newton-John (Sandy), John Travolta (Danny Zuco), Jeff Conaway (Kenickie), Stockard Channing (Betty Rizzo), Didi Conn (Frenchy), Jamie Donnelly (Jan), Dinah Manoff (Marty), Joan Blondell (Serveuse Vi)

Musique: Barry Gibb

Genre: Comédie musicale

Sujet: Sandy et Danny ont passé un été formidable ensemble. Et puis c’est la rentrée, les retrouvailles ne se font pas comme on l’espérait...

Beaucoup de films ont été qualifiés de chefs d’œuvres, en raison de leurs grandes qualités scénaristiques, techniques...mais lorsqu’il s’agit de films destinés à faire rire, il semblerait que cette appellation se fasse davantage attendre. D’ailleurs, Molière et ses fameuses comédies en souffrirent à l’époque : le phénomène n’est donc pas nouveau.

Pourtant, Grease mérite bien le titre de chef d’œuvre, puisque c’est le film que l’on peut trouver dans toutes les maisons aux quatre coins du monde, et qu’il ne perd ni de sa gaité ni de sa fraicheur au bout de la cinquantième fois. Sans se prendre au sérieux, ce film remet à sa place tous les prétentieux du cinéma, en conquérant le monde avec une grande facilité. Car l’utilité principale d’un film est de divertir. Randal Kleiser l’a bien compris.

Pourtant, alors que l’on ne se lasse pas de redécouvrir le film, il reste certains aspects qui explique un tel succès : les morceaux sont excellents, les dialogues vivants, et le scénario simplissime comme on les aime. Mais surtout, il y a cette révolte de la jeunesse qui, si elle se fait à travers le rock’n’roll, ne cesse de nous charmer tant elle est caricaturale et donc toujours d’actualité. Les jeunes de Rydell demandent une liberté qu’ils ont déjà, et que tous les jeunes d’aujourd’hui ne connaissent pas forcément. D’où le succès incroyable du film. De plus, ce film dresse un portrait de l'Amérique à l'opposé de ce qu'elle est: plus ouverte par rapport au sexe, aucune relation avec les parents, loin de la paranoia...

La métamorphose de Sandy est aussi une astuce qui nous charme toujours : on aime voir les acteurs se transformer dans les films, Certains l’aiment chaud (Billy Wilder, 1959, Some like it Hot) reste le meilleur exemple. Pourtant, après avoir vu la scène finale de Grease, on ne peut s’empêcher de rester perplexe s devant la légèreté du film : Sandy devient sexy, le digne rêve de Danny, qui se déclare lui-même comme quelqu’un qui veut prendre ses responsabilités pour plaire à sa copine. Lequel des deux va suivre l’autre ?

La diversité des seconds rôles fait aussi beaucoup pour la richesse du film : comment ne pas sourire devant les fanfaronnades des Pink Ladies, ou devant le groupe des T-Birds, constamment à la recherche de pizzas, ou encore devant cette équipe éducative légendaire ? La bonne ambiance se construit grâce à eux, pour mieux faire apparaitre le couple Sandy/ Danny comme plus sympathique encore avec leurs différences si marqués et si drôles. La naïveté et l’optimisme sont les principales ressources de ce film, et c’est bien pour cela qu’on l’aime : on ne s’ennuit jamais, on redécouvre toujours, de Betty à Kenickie, de Jan à Danny...

De plus, outre la mise en scène et l’esprit du film qui est à caricature, on peut dire que l’interprétation des deux acteurs principaux ont largement contribué au succès du film : ils jouent cela avec un tel naturel, qu’ils semblent avoir fait leurs études à Rydell, au même titre que nous dans nos lycées ennuyeux. John Travolta montre ici son talent qui est resté intact depuis toutes ces années, que ce soit dans des rôles plus dramatiques ou toujours à la comédie ! Sans oublier la sympathique apparition de Joan Blondell dans le rôle de la serveuse, toujours aussi charismatique que lors de Prologue ( Lloyd Bacon et Busby Berkeley, 1933, Footlight Parade).

2011-04-03T04:53:00.000-07:00

There will be blood, 2007

Réalisation: Paul Thomas Anderson

Production: Daniel Lupi, Joanne Sellar, Paul Thomas Anderson

Scenario: Paul Thomas Anderson d’après Upton Sinclair

Distribution: Daniel Day-Lewis (Daniel Plainview), Paul Dano (Eli et Paul Sunday), Dillon Freasier (H.W. Plainview), Kevin O’Connor (Henry Brands)

Musique: Jonny Greenwood

Genre: Drame

Studio: Paramount

Sujet: Daniel Plainview est un pétrolier, constamment à la recherche d’un nouveau gisement. Il vit seul avec son fils. Lorsqu’il se rend à Little Boston, il va se heurter au très étrange prêtre Eli Sunday…

There will be blood est un film avec beaucoup de profondeur, servi par une technique parfaitement maitrisée par son réalisateur : sans être bavarde, la mise en scène est en effet juste et fine. D’ailleurs, le film débute avec quinze minutes d’intrigue sans qu’aucune parole ne soit prononcée. L’ennui est loin de nous gagner –et c’est ici un tour de force !-, et cet astucieux stratagème montre l’un des points les plus importants du scénario : Daniel Plainview, qui se veut au centre de chaque chose.

Avant tout, ce film est une affaire de morale, et c’est par là qu’il rappelle les grands classiques du cinéma : où se trouve le bien, le mal ? Les deux protagonistes, Daniel et Eli, sont deux êtres qui aiment la compétition, pour différentes raisons : pour le premier, c’est l’argent et l’obsession de son métier, pour l’autre, c’est sa foi démoniaque envers le bien. Les deux hommes luttent l’un envers l’autre, croyant tuer en chacun leur part de mal. Seulement, cette lutte se fera tantôt implicite, tantôt explicite, jusqu’à aboutir à la mort de l’un d’eux.

Pour ce qui est de Daniel, c’est un personnage antipathique, -mais que nous suivons quand même, et c’est grâce au jeu exceptionnel de Daniel Day-Lewis et à la richesse du scénario- qui est constamment dans le profit par l’exploitation d’autrui. Il se déclare le sauveur d’une petite ville californienne archaïque, faisant croire aux bénéfices du progrès, tout en ne pensant qu’à son compte. Pour cultiver son image d’homme de caractère, et d’individu de bonne foi et de principes familiaux et religieux, il n’hésite pas à recueillir un orphelin en lui faisant croire qu’il est son fils, et à se convertir alors qu’il ne croit qu’en lui-même.

Cependant, on ne peut pas simplifier ce personnage au point de lui dénier toute humanité : trahi par un homme qui se disait son frère, il l’héberge pendant un temps –jusqu’à le tuer, certes-, et son fils devenu sourd-muet, se retrouve abandonné par son « père » après avoir été sauvé par ce dernier. Ainsi, et sans doute ce qui fait que le personnage que nous suivons ne nous est pas antipathique jusqu’à l’extrême, on vacille entre élans d’humanité et accès de monstruosité, ce qui nous fait arriver à une conclusion qui plaide la folie.

Pour ce qui est d’Eli, on ne peut pas dire que ce prêtre illuminé soit du même type que Daniel. Voyant dans le progrès une avancée vers la modernité et une menace, il ne peut s’empêcher de conserver sa foi au prix de biens des sacrifices : il accepte les humiliations que lui fait Plainview, et se démarque par des sermons où l’hystérie religieuse –si courante, semble-t-il- lui font croire qu’il est un prophète désigné pour entrer en lutte contre Daniel.

Les deux hommes vont ainsi endurer bien des évènements douloureux, qui ne peuvent s’expliquer, semble-t-il que par le hasard ou une certaine magie fantastique, voir divine. Comment se fait-il que H. W., orphelin d’ailleurs dépourvu d’identité par ses initiales, devienne sourd-muet après avoir méprisé la bénédiction du puits ? Comment se fait-il qu’il soit trahi par un homme qui se disait son frère ? Pourquoi Eli part à travers le pays, après avoir attendu avec une impatience morbide les 5000 dollars promis pour l’Eglise ? Pourquoi ne se résigne-t-il pas à admettre qu’il n’est pas un prophète, et que c’est son frère, qui a tout réussi ?

Une ombre semble régner sur les deux hommes, qu’ils s’efforcent de combattre l’un envers l’autre. Bien des thématiques religieuses sont ici implicitement évoquées, sans que pourtant la notion de pardon paraisse abordable aux deux hommes. D’ailleurs la fin, qui peut sembler étrange à première vue, n’est basé que sur la morale omniprésente du film, tout en étant fataliste : l’un ne pourra vivre que dans l’alcoolisme et une violente folie, l’autre meurt après avoir confessé ses péchés. Chacun se fait le juge de l’autre et aucun n’est pardonné, puisqu’il s’agit ici d’hommes et non pas de Dieu. La trahison, l’honneur, le péché, l’amour, la haine…tous ces sujets sont manipulés avec talent dans un scénario sans temps mort, doté d’une rare intensité dramatique.

Les talents des acteurs offrent au film une portée bien plus grande encore que le scénario exceptionnel ne pouvait offrir : Daniel Day-Lewis est toujours juste et s’affirme, s’il était besoin, comme un des meilleurs acteurs de notre époque -je ne l’ai pas vu jusqu’ici dans un mauvais film-, accompagné de l’incroyable Paul Dano, qui nous laisse de très bons espoirs lui aussi.

Le cadre de l’intrigue n’était lui-même pas facile, mais original, à l’image du scénario et de la mise en scène, qui reste étudiée et réfléchie, mais tout en sobriété. Elle sait se faire oublier pour mieux servir son sujet, et c’est ici ce qu’on appelle du « cinéma ».

2011-03-06T09:20:00.001-08:00

127 heures (127 hours), 2010

Réalisation: Danny Boyle

Production: Danny Boyle, John Smithson, Christian Colson

Scenario: Danny Boyle et Simon Beaufoy, d’après Aron Ralston

Distribution: James Franco (Aron Ralston), Amber Tamblyn (Megan), Kate Mara (Kristi), Clémence Poésy (Rana), Treat Williams (Le père d’Aron)

Musique: Rahman

Genre: Drame

Studio: Cloud Eight Film

Sujet: Aron Ralston, jeune alpiniste, se trouve coincé pendant 127 heures par un rocher qui coince sa main au fond d’un canyon...

Il est difficile de ne pas être intrigué par un sujet comme celui-ci. Comment cela a-t-il pu arriver ? Comment porter à l’écran une histoire pareille sur une durée aussi longue ? Voilà les deux grandes questions que l’on peut se poser avant d’aller voir ce film. Et alors, avant même qu’il commence, notre attention est captée par un générique énigmatique qui nous fait déjà percevoir l’atmosphère du film. Des images de foules défilent, alors que nous savons qu’il s’agit de l’histoire d’un seul homme, qui a voulu fuir la société pour un weekend, et qui s’est trouvé complètement seul dans une situation critique.

127 heures est avant tout un défi, pour le metteur en scène et pour l’acteur : comment Danny Boyle a-t-il fait pour maintenir l’attention du spectateur alors que le héros est coincé et ne peut pas bouger ? Evidemment filmer les moments avant l’accident était incontournable, la musique joue aussi un grand rôle. Mais le montage reste très étonnant, astucieux, nous présentant des choses nouvelles que l’on n’a pas forcément l’habitude de voir. Certains plans restent très surprenants (la gourde, l’os...) ce qui nous conforte dans l’idée que puisqu’il s’agit d’un scénario véridique mais néanmoins peu commun, le metteur en scène a tenté des expériences cinématographiques. On ne peut pas vraiment lui reprocher d’avoir tiré parti d’une intrigue pareille. Seules les visions vers la fin d’un futur resplendissant avec son ex restent un choix de mise en scène douteux, mais l’ensemble en est tellement novateur et astucieux que l’on oublie rapidement ce faux pas.

Pour ce qui est de James Franco, on peut dire qu’il porte tout le film et qu’il s’en sort à merveille. Toujours dans le ton juste, il sait s’adapter à l’évolution psychologique du personnage au cours du temps : drôle quand l’ironie des dialogues s’y prête, émouvant lorsqu’il pense à sa vie privée, terrifiant lorsqu’il se casse et s’ampute le bras pour survivre. Voilà un rôle qui n’était pas facile à interpréter, et on ne peut que louer un tel enthousiasme pour incarner différentes personnalités, au point de passer d’Allen Ginsberg à Aron Ralston, en passant par James Dean, et ceci avec la même facilité.

Cette aventure personnelle et véridique ne peut que toucher le spectateur, bien mal à l’aise dans son fauteuil lors de l’amputation, ou encore pendant ces heures qui défilent et qu’on souffre avec lui. Il fallait vraiment que cet homme ait été courageux au point d’en arriver là, et aime réellement la vie. L’homme qui se plaisait à dire qu’il était proche de la nature, et qui ne faisait que la braver, découvre ici un monde qu’il n’avait jamais connu. L’erreur qu’il a dû faire, dans un élan de jeunesse bien téméraire, a été de croire qu’il connaissait parfaitement la nature. On peut donc comprendre que par l’acte qui lui sauva la vie, il triompha de la nature sauvage et en retire une expérience qui n’a pas atténuer son amour de l’alpinisme. Oui, oui, il continue aujourd’hui:étonnant qu'il n'est pas été écoeuré par une telle aventure!

Et puis, surtout, le tour de force du film est de ne pas être tombé dans la facilité : on ne raconte pas sa vie en flash-back, simplement les éléments dont il s’est souvenu sur le moment. Et on ne met pas en place une ellipse nous projetant de la fin de l’amputation à un hôpital. On le suit jusqu’au moment où un hélicoptère se pose pour le rapatrier. Aussi simple que puisse paraitre ce choix, il nous fait apercevoir la difficulté de n’avoir qu’une seule main, au-delà d’une telle expérience, et nous fait voir à quel point est primordial pour le futur d’Aron Ralston.

Le point négatif de ce film serait de nous montrer les grands espaces américains légendaires sous un jour plus sinistre, et de nous rappeler que cette nature reste bien périlleuse malgré ces merveilles. Rares sont ceux qui se risqueront au fond d’un canyon après avoir vu 127 Heures !

2011-03-01T10:42:00.000-08:00

Le discours d’un roi

(The King’s speech), 2011

Réalisation: Tom Hopper

Production: Gareth Unwin,Emile Sherman, Iain Canning

Scenario: David Seidler

Distribution: Colin Firth (George VI), Geoffrey Rush (Lionel Logue), Helena Bonham Carter (Reine Elizabeth), Guy Pearce (Edward VIII), Eve Best (Wallis Simpson), Timothy Spall (Winston Churchill), Derek Jacobi (Archevêque Cosmo Langi),

Musique: Alexandre Desplat

Genre: Biopic

Studio: See Saw Films

Sujet: Le duc de York est incapable de parler en public, à cause de son bégaiement qu’il n’a pu corriger au cours des années. Sa femme, Elizabeth, décide alors de faire appel à un orthophoniste australien pour tenter de corriger ce défaut qui mettra en péril sa crédibilité en tant que roi...

Voilà un film qui reste dans notre mémoire bien longtemps après être sortis de la salle, tant l’ensemble en est émouvant et charismatique. Le milieu dans lequel se déroule cette intrigue hors du commun aurait pourtant pu le desservir, tant la famille royale peut donner lieu à des mises en scènes froides et prudentes. Mais Le discours d’un roi s’élève au niveau du fameux The Queen de Stephen Frears : tout y est adroit, et les scènes se succèdent avec un intérêt qui ne faiblit jamais et une harmonie intelligente.

En effet, chaque scène se révèle « émouvante », et ce n’est pas ici un mot gratuit que l’on peut voir habituellement dans les critiques. Non, la mise en scène et les dialogues nous font apparaitre George VI humain, avec des faiblesses qui ne peuvent que toucher un public aussi large que celui de l’Angleterre de cette époque. Le voilà propulsé roi alors qu’il croyait, en raison de ce handicap insurmontable, qu’il n’aurait jamais de hautes responsabilités. Mais l’amour que son frère porte à Wallis Simpson fait abandonner à ce dernier le trône, et le font devenir successeur. Epaulé par son épouse Elizabeth, femme de caractère, il va devoir lutter contre son handicap, engendré par une enfance difficile, bien que royale. Il semblerait en effet que certains traumatismes de l’enfance soit responsable de son bégaiement. Avec une destinée aussi peu commune, on pourrait même se demander comment le cinéma n’ait pas songer à la traiter plus tôt.

Mais ce qui reste bien plus apparent dans le film que son contexte historique, c’est bien la solitude d’un individu face à des responsabilités qu’il peut prendre en charge mais qui se révèle physiquement limité. Ne serait la présence rassurante de sa femme, il se retrouverait dénué de tout au cœur de cette famille royale emprisonné par les conventions. C’est d’ailleurs ce qui expliquerait la relation privilégiée qu’il instaure avec Lionel Logue, orthophoniste hors du commun : le besoin de liberté avec un mépris de l’étiquette. Ainsi, l’attitude osée de l’australien donne lieu à d’étonnants dialogues, qui nous fournissent de belles démonstrations de l’humour anglais. Avec la naissance de cette amitié improbable, on peut voir la solitude de George VI moins cruelle avec le soutien d’un homme du peuple.

Dès le début, le public peut mesurer l’ampleur de cet insupportable bégaiement, et si les méthodes peu conventionnelles de Lionel Logue (d’ailleurs non diplômé) finissent par donner de très beaux résultats, c’est avec une réelle sympathie que nous suivons l’apprentissage du duc de York.

Et puis la famille royale, bien que toutes les anecdotes évoquées restent dans le sujet, nous apparait telle qu’elle est, sans caricature et pourtant dans tous ses excès. Lorsque le duc de York se confie à Logue en collant des traverses à un modèle réduit d’avion, en lui racontant les malheurs de son enfance, on reste étonnés devant tant d’aberrations et de maltraitance. Pourtant, on ne peut pas dire que ce film soit une remise en cause de la royauté, mais plutôt un tableau jute digne d’être pris en compte. Ce n’est pas ici le sujet : d’ailleurs, nous connaissons les drames de cette famille. Ce qui importe, c’est l’homme. L’être humain qui doit affronter un défaut engendré par une existence mouvementée pour endosser un rôle qui n’est pas naturel, et qui ne l’est à personne : celui qui a le pouvoir. Comment un individu peut voir son caractère éprouvé pour une cause qu’il croyait lui être étrangère, voilà à quoi tente de répondre ce film.

Le jeu de Colin Firth nous fait apparaitre pleinement ses talents d’acteurs qui nous font savourer chaque scène comme de véritables leçons de cinéma. L’association avec le très brillant Geoffrey Rush est l’une des plus réussies de l’année, et la portée du film est portée avec tellement d’aisance par ce duo qu’il nous fait espérer qu’il sera renouvelé. Le savoir-faire et le talent du metteur en scène Tom Hopper nous offre un aperçu subtil, par sa réalisation audacieuse, de la famille royale. Et, une fois encore, les dialogues émouvants et tantôt drôles, font de ce film l’exemple parfait de ce qu’on appelle « le juste milieu ». Si l’on rit, on est réellement émus par le discours final, qui nous démontre plus que jamais l’ampleur des responsabilités politiques qu’implique le titre de roi, dont Logue se moque continuellement. Un film dont on sait qu’il pourra être revu sans perdre de sa qualité, mais plutôt en nous faisant apparaitre son harmonie et sa justesse une fois de plus, s’il était possible qu’à sa première vue il n’est pas été assez convaincant. On ne peut que souhaiter au Discours d’un Roi de nombreux autres lors de la cérémonie des Oscars, car ce serait une erreur fatale d’ignorer l’exemple d’un cinéma pareil à celui-ci. J J

2011-03-01T00:44:00.000-08:00

A éviter: True Grit, 2011

Réalisation: Joel et Ethan Coen

Production: Scott Rudin, Joel et Ethan Coen

Scenario: Joel et Ethan Coen, d’après Charles Portis

Distribution: Hailee Steinfeld (Mattie Ross), Jeff Bridges (Rooster Cogburn), Matt Damon (Laboeuf), Josh Brolin (Tom Chaney), Barry Pepper (Ned Pepper)

Musique: Carter Burwell

Genre: Western

Studio: Paramount Pictures

Sujet: Mattie Ross veut venger la mort de son père. Pour poursuivre son assassin, elle fait appel au shériff Rooster Cogburn...

Si des westerns contemporains comme Appaloosa (Ed Harris, 2008) ou 3h10 pour Yuma (James Mangold, 2008) offraient une belle succession à l’âge d’or du western, on peut dire que les frères Coen ne se sont pas appliqués à s’inscrire dans cette lignée. True Grit n’apporte rien au genre, si ce n’est quelques aberrations totalement inutiles dans le but d’être originales. Pourquoi ce film fait-il tant parler de lui à l’occasion des Oscars ? Voilà une question qui succède à l’étonnement, quant au succès sans fin des frères Coen, qu’ils sont loin de mériter à chacun de leur film. Voilà qu’on en fait des maitres incontestés du cinéma. Ils ont fait des choses intéressantes, certes, comme Barton Fink, mais True Grit reste un film inodore, voir ridicule par certaines scènes.

Le genre du western est ici poussé à la caricature, parti pris trop facile pour être digne d’intérêt sur deux heures de film. Les acteurs, à qui on a demandé de parler un américain incompréhensible pour faire plus réaliste, sont coincés dans une intrigue très classique et qui n’en finit pas d’avancer. Le thème de la vengeance n’a en effet rien de nouveau dans le genre, et la violence de certaines séquences ne font pas de l’ensemble un chef d’œuvre génial, mais bien une absurde épopée à travers l’Amérique. Pour le remake de 100 dollars pour un Shérif (Hathaway, 1969)

La fin, surtout, est l’échec le plus flagrant du film : voilà qu’à cause de la puissance de la carabine, Mattie Ross, qui tue enfin l’assassin de son père –il était temps !- tombe dans un puits et se fait mordre par un serpent. Pour couronner le tout, Jeff Bridges révèle enfin sa sensibilité en la portant jusqu’à un médecin pour la sauver : tout y est convenu. Le gros dur alcoolique mais au service de la justice, sauvage et taciturne qui se lie d’amitié avec cette jeune fille, c’est un numéro trop classique pour prôner une quelconque originalité. En plus de Mattie Ross, qui ne cesse pas un instant de vouloir montrer sa prétendue personnalité et son aspect moralisateur au shérif alcoolique, il fallait Matt Damon pour nous faire la leçon du parfait Ranger Texan. Voilà le trio de choc que nous suivons dans les grands espaces américains, certes de toute beauté, pour y voir un bain de sang en guise de fin à ce périple beaucoup trop long.

Les dialogues n’ont pas beaucoup de profondeur, il y a très peu d’humour et la banalité des situations n’est pas enthousiasmante. Les scènes d’action se succèdent de façon indifférente.

La plus grande déception est l’actrice Haillee Steinfeld, que l’on présente comme la dernière révélation : elle est absolument inodore, et son jeu médiocre dessert vraiment le film. Pour ce qui est de Matt Damon et de Jeff Bridges, on dira du premier qu’il est bien dans un rôle qui n’est pas à sa hauteur et du second qu’il reste toujours dans des rôles d’alcoolique, ce qui devient lassant. Non, les frères Coen n’ont pas ici mérité tous les hommages qu’on leur fait, et il serait souhaitable qu’un réalisateur talentueux vienne ranimer la flamme du western pour effacer l’erreur qu’est ce film, tant il insulte les règles de ce genre aventureux qui a toujours un charme fou quand il est bien traité.

2011-02-24T11:18:00.000-08:00

Black Swan, 2011

Réalisation: Darren Aronofsky

Production: Mike Medavoy, Arnie Messer, Scott Franklin, Brian Oliver

Scenario: Andres Heinz, Mark Heyman

Distribution: Nathalie Portman (Nina Sayers), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Mila Kunis (Lily), Winona Ryder (Beth MacIntyre), Barbara Hershey (Erica)

Genre: Drame

Studio: Twentieth Century Fox

Sujet: Nina Sayers est une très jeune ballerine talentueuse pour qui la danse est toute sa vie. Elle se voit confier le rôle de la Reine des Cygnes dans « Le Lac des Cygnes » de Tchaikovsky...

Il est important de souligner que ce film a beaucoup souffert des échos trop faciles sur son compte et d’une bande-annonce mensongère. En effet, on nous présente ce film comme très perturbant, un drame psychologique d’une ballerine, qui devient schizophrène. On a trop tendance à oublier un final splendide, qui reste l’apogée du ballet et du film au profit d’un début avec de très bonnes choses et d’autres éléments beaucoup trop convenus et faciles. La vie sexuelle de l’héroïne est bien trop exposée et n’apporte pas grand-chose à l’ensemble : certaines scènes de sexe en deviennent donc rapidement risibles et on peut se douter que ce n’était pas l’effet souhaité. De plus, on peut contester le parti pris de mettre en scène une attirance homosexuelle dès qu’il s’agit d’un personnage tourmentée. En notre époque de tolérance et de modernité, ce choix peut paraître bien convenu et maladroit. On peut rajouter que si certaines scènes peuvent se révéler désagréables, elles demeurent tout à fait visibles. Les critiques en ont fait un thriller morbide, mais les prétentions de l’intrigue n’allaient pas au-delà du trouble personnel de Nina.

Le fait que l’action se déroule dans un univers peu connu du grand public joue peut-être un rôle important dans la distance instaurée entre l’héroïne et nous. C’est une jeune ballerine qui vit seule avec sa mère, ancienne danseuse aussi. Cette dernière a abandonné sa carrière pour sa fille, et en veut à celle-ci inconsciemment, rejetant donc tous ses espoirs professionnels sur Nina, de façon obsédante. Nina, donc, lorsqu’elle devient la vedette du ballet, a beaucoup de pression sur les épaules et sa nature fragile, engendrée par une vie solitaire et naïve, ne pourra la supporter. Elle se met donc à avoir des hallucinations, un penchant schizophrénique, une réaction violente sur sa peau... Comment une fille sans aucune vie privée, sexuelle, sentimentale peut-elle incarner le rôle du cygne noir, la sœur charmeuse du cygne blanc ? Elle va tellement s’investir dans ce ballet, dans son rôle, attachée comme une artiste à son travail dans une quête de la beauté parfaite, qu’elle va vivre ce ballet au-delà de toute logique. Elle va se tuer, vivant jusqu’au bout du ballet lors de la première, et l’esthétique de la mise en scène reste remarquable. On peut noter de ce côté que l’utilisation d’une caméra mobile au début du film est regrettable.

Cependant, l’ensemble du film, avec les qualités d’un tel genre, reste partagé : tantôt il se trouve de très bonnes choses qui nous font apprécier l’intrigue, tantôt le scénario tombe dans la facilité la plus prévisible. Ainsi, on peut dire que c’est un bon film, mais pas plus original que d’autres malgré les apparences, mis à part ce final splendide.

Non, le véritable talent de Black Swan à acclamer est Nathalie Portman, qui a bien mérité sa nomination aux Oscars avec cette interprétation très juste et toujours sensible, du début à la fin du film, qu’elle porte sur ses épaules avec la grâce d’une véritable actrice. On peut d’ailleurs se douter que ce rôle a dû lui demander beaucoup de travail et d’investigation.

La musique de Tchaikovsky n’est pas pour rien pour l’atmosphère de ce film, et c’est un hommage que bien des critiques de cinéma ont dû omettre entre autres louanges sur son compte. Car, que serait ce film sans la musique et la danse ? Que pourrait bien enivrer Nathalie Portman jusqu’à sa fin si ce n’est le rythme et la technique ? J

2011-02-24T11:09:00.000-08:00

Howl, 2010

Réalisation: Rob Epstein et Jeffrey Friedman

Production: Elizabeth Redleaf, Christine Kunewa Walker, Rob Epstein et Jeffrey Friedman

Scenario: Rob Epstein et Jeffrey Friedman

Distribution: James Franco (Allen Ginsberg), Aaron Tveit (Peter Orlovsky), Todd Rotondi (Jack Kerouac), Jon Prescott (Neal Cassady), David Strathairn (Ralph McIntosh), Jon Hamm (Jake Ehrlich), Bob Balaban (Juge Clayton Horn), Alessandro Nivola (Luther Nicols)

Musique: Carter Burwell

Genre: Biopic

Studio: Werc Werk Works

Sujet: Allen Ginsberg écrit en 1955 son recueil « Howl », dont l’éditeur est aussitôt accusé 2 ans plus tard d’atteinte à la pudeur...

On peut dire que ce film, Howl, est une très belle surprise. Au-delà d’un biopic classique (comme nous les aimons aussi), il se situe à la limite du genre et du documentaire, tout en insérant des scènes d’animation pour illustrer le poème. Ainsi, ce film présente de nombreux intérêts cinématographiques, notamment par de nouvelles idées, tout en exposant un point de vue sur son sujet recherché et personnel. En effet, la vie de Ginsberg est évoquée simplement pour mettre en valeur les allusions autobiographiques dans le poème Howl. Le film ne tourne qu’autour du procès qui s’en est ensuivi et d’interviews éclairant la personnalité du poète. Ainsi, on ne suit pas ce dernier jusqu’à sa mort et on ne sait rien de son enfance. Les déceptions amoureuses qu’il a éprouvé ne sont décritess qu’à cause des allusions dans le poème.

De plus, on peut dire que le mélange de biopic, d’interviews, et d’animation offre un très beau travail de montage, et ce sans être bavard, comme c’est parfois le risque pour un documentaire. Notre attention est captée par chaque scène, et c’est avec une réelle surprise que nous suivons l’animation alors que James Franco nous lit son poème. Les interviews filmées restent de très belles scènes qui nous permettent de mieux saisir cet étrange personnage, qui nous apparaît ici dans l’intimité. Loin de son procès qui donne lieu à une polémique littéraire réellement intéressante qui va au-delà du sujet Ginsberg pour soulever un débat plus général, recul que peu de biopics ont la chance d’avoir. De plus les interrogatoires du procès permettent également de mesurer l’ampleur de l’œuvre et les interrogations qu’elle suscite sans tomber dans des louanges sans fin sur l’artiste. Non, ce film est d’une subjectivité très discrète et bien travaillée qui a de la personnalité. Le choix de l’animation pourrait paraître logique pour des scènes de ce type, mais encore fallait-il oser et bien la réaliser, comme c’est le cas ici : le graphisme s’accorde avec le rythme des vers, apparemment calqué sur la base du jazz, selon certains experts. Il est agréable de valser parmi les genres, et on ne peut qu’espérer que l’intérêt pour ce curieux et étonnant mélange continuera de nous charmer dans les années à venir. Le progrès cinématographique n’est pas forcément que de la 3D pour donner lieu à des phénomènes comme Avatar. Si la créativité de certains réalisateurs peut donner libre cours à de nouvelles pratiques comme ce mélange film/ animation (déjà très bien utilisé auparavant, par exemple Valse avec Bachir) c’est avec bien plus de sensibilité que le cinéma grand spectacle (qui a aussi beaucoup de qualités).

Il est très important de noter à quel point James Franco mérite le terme de « grand acteur » pour le qualifier. Ayant sans doute souffert pendant un temps de son physique charmeur digne de mannequin de pub pour parfum, il a maintenant des rôles qui lui permettent de montrer son talent. Il est extrêmement convaincant en Allen Ginsberg. On peut espérer que sa carrière est maintenant réellement lancée avec de beaux rôles principaux, et qu’il ne fera plus de petites erreurs, comme celle de faire une brève apparition dans Mange, prie, aime. Comment a-t-il pu tomber aussi bas ? Toujours est-il qu’il s’améliorera avec le temps, surtout avec des réalisations comme celle-ci, qui nous rend cet Allen Ginsberg atypique comme un personnage attachant et plus compréhensible que la syntaxe de ses poèmes ne laissait l’espérer. Si le style même de l’écrivain ne peut être au goût de tout spectateur, il demeure néanmoins que c’est un film qui bénéficie d’assez de recul pour faire apprécier le point de vue qu’il nous offre. La dernière qualité que l’on doit accorder à ce film est qu’il restera intemporel, tant le sujet reste traité de façon moderne, sans pour autant être ancré dans notre temps au point d’estomper l’esprit de l’époque d’Allen Ginsberg.

2011-02-13T07:58:00.000-08:00

The Ghost Writer, 2010

Réalisation: Roman Polanski

Production: Roman Polanski, Alain Sarde, Robert Benmussa

Scenario: Roman Polanski, Robert Harris d’après l’œuvre de ce dernier

Distribution: Ewan McGregor (Le nègre), Pierce Brosnan (Adam Lang), Olivia Williams (Ruth Lang), Kim Cattral (Amelia Bly), Tom Wilkinson (Paul Emmett), Robert Pugh (Robert Rycart)

Musique : Alexandre Desplat

Genre: Thriller

Studio: Summit Entertainment

Sujet: Un écrivain est engagé par l’ex Premier Ministre Adam Lang pour écrire ses mémoires. Il tombe alors sur une affaire qui ne doit pas être dévoilée...

Il est rare de voir des thrillers qui ne traitent pas de psychopathe ou autres actuellement, et qui ait une mise en scène qui soit à la hauteur de l’ambition du scénario. Mais Roman Polanski nous charme avec ce film dans une veine très hitchcockienne, et c’est avec une réelle sympathie que l’on suit Ewan McGregor dans une situation périlleuse.

Un nègre est engagé pour écrire les mémoires de Lang. Il est retrouvé mort, noyé. Ewan McGregor le remplace alors, et alors qu’il découvre le monde fermé de cet homme, fait des découvertes de plus en plus dangereuses. Scénario qui n’est pas aussi classique qu’il peut le paraître. Dans une ambiance des plus glaciales, le jeune écrivain va se trouver confronté au monde de la politique dans ses sphères les plus obscures. Les scènes sont très étudiées, les dialogues ont bénéficié du même soin, et la mise en scène contribue à accentuer l’angoisse du personnage principal, que nous partageons.

Il est important de noter l’étrangeté des décors qui contribuent largement à l’atmosphère pesante du film. Roman Polanski a fait le choix de placer le lieu de son intrigue à la limite de paysages anglais et américains, si bien qu’il est difficile de définir ses repères, bien qu’il est censé se dérouler aux Etats-Unis. En effet, si les grands espaces rappellent les charmes de l’Amérique, le climat et les habitants de l’île ne sont pas sans évoquer les caractéristiques britanniques. Voilà un aspect qui reste de ce film singulier, d’autant pus que Roman Polanski alterne décors intérieurs modernes et donc très froids, avec des intérieurs chaleureux, propre à la culture anglaise.

Tous les ingrédients d’un bon thriller y sont, mais l’originalité du scénario fait que nous sommes tout de suite attachés à cette histoire, et ce depuis les premières scènes, ce qui est très talentueux, et propre à l’esprit d’ Hitchcock.

Ewan Mc Gregor se trouve être parfait dans ce rôle et nous conforte dans l’idée qu’il reste toujours un acteur très sobre, comme Russel Crowe. Il incarne son personnage à merveille sans trop en faire, et on peut dire sans se risquer qu’il va continuer son intéressante carrière pendant encore longtemps. Il est en passe de devenir une garantie pour les films dans lesquels il joue, s’il était besoin ici, avec un réalisateur comme Polanski. Pour ce qui est de Pierce Brosnan, on peut dire que son physique lui accorde le droit d’incarner un homme politique soi-disant modèle, bien qu’on ne le voie pas autant qu’on pourrait l’imaginer. Les seconds rôles, solidement construits et très interprétés renforcent la qualité d’un tel film.

2011-02-09T05:00:00.000-08:00

A éviter:

Mange Prie Aime (Eat Pray Love), 2010

Réalisation: Ryan Murphy

Production: Dede Gardner

Scenario: Jennifer Salt, Ryan Murphy

Distribution: Julia Roberts (Elizabeth Gilbert), James Franco (David), Javier Bardem (Felipe), Viola Davis (Delia Shiraz)

Musique : Dario Marainelli

Genre: Comédie dramatique

Studio: Sony Pictures

Sujet: Une femme divorcée, Elizabeth Gilbert, s’en va en Italie, en Inde et à Bali pour trouver l’équilibre de la vie...

Le titre, Mange, Prie, Aime est censé évoquer les trois étapes du voyage d’une divorcée en quête d’identité. L’ensemble, niais au possible, se révèle complètement irréaliste, prétentieux et malsain. Tout tourne autour de la quête de spiritualité d’une New-Yorkaise qui ne sait pas comment s’occuper et qui ne pense qu’à elle, en rêvant de voyager à travers le monde. Elle se décide donc après un divorce bien mené à s’envoler par le monde pour trouver l’équilibre parfait dont elle manquait, au milieu de sa vie confortable de la haute société. Et bien évidemment, elle va trouver sa voie en Inde, l’un des pays les plus pauvres du monde.

Le chapitre « Mange » se déroule bien entendu en Italie où les clichés s’y donnent à cœur joie. Clichés qui font passer le pays de De Vinci comme une nation sous-développée où il est impossible de trouver une douche normale. Les séducteurs italiens courent après les filles dans des rues chaudes, éclairées par une lumière de publicité. Et puis, surtout, Julia Roberts, alors qu’elle profite de la vie loin de la « monotonie » de New York, a une révélation en mangeant des pâtes à la bolognaise. Seul le cliché de l’aventure italienne ne vient pas, Julia étant trop troublée dans son parcours spirituel en achetant une nuisette pour s’adonner à ces futilités...Et bien entendu, les italiens roulent encore aujourd’hui dans des voitures démodées, et ne savent rien faire si ce n’est la Dolce Vita.

Puis vient le moment de « Prie », où là encore tous les clichés de l’Inde sont soigneusement reproduits. Les couleurs, les sourires et la nourriture indienne rejettent la misère et la triste condition de la femme dans des sphères bien trop réaliste pour ce film. Julia va méditer pendant quelques semaines, pour se pardonner -Quoi ? Elle ne le sait même pas, et nous non plus-. Ainsi, elle va créer des liens avec la population locale et elle se fait un œil de la sagesse en portant un sari. Puis elle commence à atteindre un certain stade de la sérénité. Elle se découvre en tant que femme émancipée et libre de toute contrainte grâce à Dieu –Lequel ?- au pays où les filles sont contraintes aux mariages arrangés. Voilà un parfait exemple de l’abstraction hollywoodienne.

Alors, le chapitre "Aime" s’ouvre à nous, et les paysages de Bali ne nous retiennent pas longtemps, tant l’aventure de notre baroudeuse avec Javier Bardem est consternante de mièvrerie. Elle retourne voir son gourou et engage ses amis américains à faire un don pour une mère célibataire afin de la loger décemment. Ceci à l’occasion de son anniversaire : devant tant de générosité on ne peut s’empêcher de se demander combien a coûté le voyage dans lequel elle nous a embarqués.

Le mal-être d’une écrivaine divorcée ne tient pas une seconde avec Julia Roberts, et l’indécis parcours spirituel en devient malsain. Ainsi, il semblerait que les tourments d’une américaine qui ne manque de rien et qui veut trouver sa voie s’adresse en réalité à un public très restreint. Comment une divorcée d’aujourd’hui pourrait s’identifier à cette femme qui promène sa prétendue rupture douloureuse –dont elle se consolait bien avec David avant même le divorce- aux quatre coins du monde ? En plus de cela, on peut reprocher à ce film de ne pas s’ouvrir aux autres cultures malgré bien des apparences. Les dialogues sont très limités, où les bons sentiments sont toujours mis en avant, des leçons de vie répétitives et populaires ponctuent chaque phrase.

Un navet, oui, mais à travers le monde ; et les charmes de l’Italie, la culture indienne, et la beauté de Bali ne peuvent rien y changer...surtout servis par une mise en scène bavarde et incohérente, qui, s’il était besoin, achève le film.

2011-01-21T13:22:00.001-08:00

Julie et Julia

(Julie and Julia), 2009

Réalisation: Nora Ephron

Production: Nora Ephron, Laurence Mark, Amy Robinson, Eric Steel

Scenario: Nora Ephron d’après Julia Child, Julie Powell, Alex Prud’homme

Distribution: Meryl Streep (Julia Child), Amy Adams (Julie Powell), Stanley Tucci (Paul Child), Chris Messina (Eric Powell), Linda Emond (Simone Beck), Deborah Rush (Avis de Voto)

Musique: Alexandre Desplat

Genre: Comédie dramatique

Studio : Columbia

Sujet: Julie Powell, trentenaire new-yorkaise, se lance dans l’écriture d’un blog où elle relate les recettes de la célèbre Julia Child qu’elle essaie. On découvre en parallèle la vie de la cuisinière à Paris...

Je dois bien avouer que ma première impression sur ce film avait été marquée par une légère indifférence... Mais voilà que je l’ai revu, et la magie de Julie et Julia m’est apparue soudain beaucoup plus évidente, tant ce film est un hymne à la cuisine aussi sensible que les plats montrés sont divins...

Bien évidemment, qui dit cuisine dit française. Tous les clichés de Paris qu’explore Julia Child s’accorde donc parfaitement avec notre patrimoine culinaire, qui ne semble briller de son prestige qu’en dehors de la France. En effet, c’est bien ici une new-yorkaise qui s’attaque au bœuf bourguignon, comme si ce plat si réputé était monnaie courante dans nos chaumières. Passons sur ce petit détail, qui en rend même le film encore plus attachant. Et puis, pourquoi se plaindre de cette image de la France ?

C’est ainsi que ce film s’amuse avec les clichés parisiens les plus intemporels et la vie de Julia Child, au siècle dernier, et avec le New-York de 2002, soit donc actuel. Le point commun de ces espaces « spatio-temporel », pour se servir d’un jargon bien scolaire, étant la cuisine. Mais il serait bien ingrat de simplifier la vie de ces deux femmes par leur amour de la cuisine : elles ont en effet leurs joies et leurs peines, et surtout, ce qui se manifeste de façon différente, un enthousiasme bien prononcé. Julia Child en est presque caricaturale et comique, ce qui nous laisse à penser que Meryl Streep, si elle a travaillé son rôle pour en arriver à un résultat aussi remarquable, a néanmoins bien dû se divertir durant le tournage en prenant cet accent incroyable. Et pour ce qui est de Julie, trentenaire, n’ayant rien fait de sa vie qui lui accorde une parfaite joie, elle se lance avec détermination dans un projet audacieux, ce qui est aussi un d’un enthousiasme remarquable. D’ailleurs, le succès de son blog prouve bien que les internautes de l’époque ne s’y sont pas trompés. De plus, on pourra remarquer à quel point la cuisine reste un domaine à toute épreuve, malgré les progrès technologiques fulgurants de notre époque.

La jeune Julie est une trentenaire, pauvre fonctionnaire d’Etat, chargée de s’occuper de « l’après 11 septembre » et d’apporter soutien et réconfort aux parents des victimes. Devoir tout à fait louable en soi, mais qui l’éloigne et de la joie de vivre, et de ses amies qui sont toutes des femmes indépendantes types telles qu’on les conçoit dans les années 2000 : haut poste professionnel, pas mariée, débordée de boulot...et superficielles.

Mais Julie n’est pas comme elles, puisqu’il est essentiel à présent qu’elle ait un but, qu’elle ait réalisé quelque chose. Il est donc normal qu’elle se mette une pression pour y arriver, mettant ainsi son couple en danger.

Mais pour ce qui est de la fantastique Julia Child, c’est un personnage passionnant et bien énigmatique, puisque complètement à contre-courant de l’image de la cuisinière type américaine. Elle a un accent incroyable, une vie palpitante et une taille gigantesque. Ces quelques éléments suffisent pour en faire un vrai personnage de cinéma. Ce n’est d’ailleurs pas pour rien qu’on l’a choisi, elle, car au-delà de la cuisine se trouve une forte personnalité...

Voilà pour cet excellent film. Il donne envie de manger de bonnes choses et de se remettre au bœuf bourguignon. On peut même être surpris de n’en avoir jamais un pareil avant cette production américaine... Les Etats-Unis sont définitivement la terre de toutes les cultures ;)

2011-01-16T11:11:00.000-08:00

Another Year, 2010

Réalisation: Mike Leigh

Production: Georgina Lowe

Scenario: Mike Leigh, Heather Storr

Distribution: Jim Broadbent (Tom), Lesley Manville (Mary), Ruth Sheen (Gerri), Oliver Maltman (Joe), David Bradley (Ronnie), Peter Wight (Ken)

Musique: Gary Yershon

Genre: Comédie dramatique

Sujet: Tom et Gerri vivent tous les deux dans une très belle maison. Leur amie Mary leur rend visite, ainsi que Ken, puis vient le tour de leur fils avec sa compagne, ceci raconté par le rythme des saisons...

Il se trouve certains films qui laissent perplexes, tant ils sont bien fait et excellents. Pour le cas tout particulier de Mike Leigh, on peut dire que le réalisme de ce film en fait un chef d’œuvre, sans qu’il soit ingrat à regarder. C’est en effet souvent le problème du cinéma d’auteur indépendant. Mais la vivacité du scénario et le jeu des personnages rendent Another Year inoubliable. L’atmosphère en est agie puis triste, et c’est un tableau de la vie que nous brosse Mike Leigh dans la plus grande sincérité.

Mike Leigh nous offre une mosaïque de personnages attachants et tout à fait crédibles, jusque dans leurs excès. Si la dépressive Mary est la femme que nous avons tous connu dans notre entourage, elle n’en demeure pas moins intéressante par ses remarques et son attitude en société. Tom et Gerri, le couple modèle de retraités tranquille, qui lit le soir avant de se coucher, travaille paisiblement dans la semaine et jardine le weekend, reste néanmoins le plus énigmatique du film, malgré bien des aspects. En effet, leur bonté et leur honnêteté les font apparaitre plus discrets, voir assez mystérieux dans leurs buts ou ambitions : ils aident leur famille et leurs amis. Leur statut de couple tranquille et soudé les éloigne de leurs amis les plus proches, ce qu’ils ne semblent pas arriver à comprendre.

Les dialogues, les situations et la personnalité des personnages sont de vraies merveilles, et on pourrait citer ce film en exemple, quant au cinéma littéraire. Les confidences, les non-dits, les rires et les pleurs éclatent dans toutes les saisons de ce film. Si la fin reste sur une note triste, on peut néanmoins louer l’impact apaisant de ce film et de ses images de rêve : superbe jardin et potager, maison chaleureuse, cuisine appétissante, musique douce. C’est une idée du bonheur qui peut parler à tous.

Et oui, très peu de jeunes acteurs défilent sous nos yeux. Nous n’assistons pas à un festival de playboys ou de superbes créatures irréelles. Non, ce sont des acteurs qui vivent comme nous, qui nous apparaissent plus proches puisqu’humains, et la force de ce film doit bien venir de cet aspect aussi. Ils ont des rides, ne sont pas particulièrement beaux, et on pourrait les croiser tous les jours dans la rue. Et ils jouent tous bien : il n’y en pas un qui fait tache. Lesley Manville est extraordinaire ! La mise en scène est sobre et reposante : pas de caméras qui tournent et virevoltent sans fin. Another Year restera l’un de mes plus beaux exemples de cinéma intelligent que je ne me lasserai pas de citer à l’avenir, puisque c'est un film qui donne envie de boire un bon verre de vin et de manger un bon repas dans un beau jardin, qui donne envie de vivre tout simplement.

Le cinéma anglais nous séduit une fois encore, avec cet humour tout en subtilité, qui nous reste compréhensible, à nous autres pauvres français, que grâce aux rires anglais dans la salle sombre. J

2011-01-13T11:02:00.000-08:00

Zelig, 1983

Réalisation: Woody Allen

Production: Robert Greenhut

Scenario: Woody Allen

Distribution: Woody Allen (Leonard Zelig), Mia Farrow (Eudora Fletcher), Patrick Horgan Narrateur)

Musique: Dick Hyman

Genre: Comédie dramatique

Sujet: Un « documentaire » sur Leonard Zelig, une sorte d’homme « caméléon », comme on le surnomme, qui a l’extraordinaire capacité de changer d’apparence selon les personnes avec lesquelles il se trouve. A travers cette intrigue, un tableau de la société américaine des années 20 est brossé...

L’originalité de Woody Allen a fait de lui un très grand réalisateur, et si sa marque est telle qu’elle en devient rapidement reconnaissable et donc répétitive, on ne peut lui reprocher de ne pas s’être renouvelé. En effet, Zelig est à la fois l’une des plus belles démonstrations de l’humour du cinéaste, et une avancée technique.

Ce film fictif se présente sous forme de documentaire, et réunit donc interviews, images d’archives, photo, bande-son... Le tout réalisé avec des techniques dont nous ne connaissons pas encore le secret, encore aujourd’hui, à l’ère de la 3D. Comment Woody a-t-il fait pour apparaitre sur des images d’archives ? On vieillit l’image, on reproduit les années 20, on détériore la qualité du son, et voilà que le documentaire est bouleversant de réalisme.

Mais outre cet aspect technique dans lequel je n’oserais guère m’avancer davantage, faute de connaissances, il demeure une dénonciation de notre société pertinente. Et bien que Woody Allen ait placé son intrigue au cœur des années 20, sa critique n’en demeure pas moins actuelle, à l’heure du conformisme. Si cette révolte était crédible dans les années 80, elle reste aujourd’hui très compréhensible. La richesse du film réside dans son propos, et l’effet des images d’archives ne souffre pas de la qualité des années 80. Ainsi, techniquement brillant à l’époque, le film reste captivant aujourd’hui.

Leonard Zelig, donc, est un homme caméléon : s’il est entouré de mastodontes, il en devient instantanément un, s’il est avec des noirs, sa peau se met à foncer, et avec un asiatique ses yeux se brident. Cette capacité incroyable ne tarde pas à le faire connaitre, et du monde scientifique et des foules. On cherche à justifier cette attitude par un problème génétique ou autre, les docteurs se contredisent. C’est la psychiatre Eudora Fletcher, qui commence une analyse d’ordre psychiatrique pour justifier le mal de Zelig, de façon à lui donner une personnalité propre, puisqu’il en est dépourvu. C’est au cours de cette thérapie que Woody Allen nous livre des pensées très fines, déclarant sous hypnose, pour expliquer son attitude : « C’est agréable de plaire à tout le monde, en étant comme les autres. » Voilà une belle déclaration qui ne tarde pas à nous faire réfléchir. De plus, les interviews analysent ce comportement « que nous avons tous, mais ici poussé jusqu’à l’extrême ».

De plus, certaines fameuses citations de Woody Allen sont issues de ce film, trop vite délaissé pour de grands classiques tels que Manhattan ou encore Hannah et ses sœurs. Si l’esprit de Woody Allen est dans ces derniers très bien mis en scène, c’est ici avec subtilité que l’humour du réalisateur apparait, mesuré et pourtant efficace. Cette volontaire discrétion rend ici l’ensemble bien plus juste encore, ou Woody Allen délaisse son jeu ironique au profit d’un montage qui illustre encore mieux son esprit, pourtant si dévoué à la valeur du scénario. En effet, c’est ici par la technique que le cinéaste se concentre, délaissant ainsi ses longs dialogues précipités qui lui sont chers. Les rares échanges entre sa psychiatre et lui sont alors de vraies perles. On peut rajouter que les remarques du narrateur, censées être objectives, sont tordantes, compte tenu des images. Le ton journalistique s’accorde parfaitement à un humour noir.

Outre l’excellente prestation de Woody, toujours dans le ton de son propre jeu, on a ici la chance de voir Mia Farrow très bien dirigée, qui est tout à fait crédible dans le rôle d’une sévère psychiatre : et pourtant, elle a bien joué des rôles de névrosées sans aucun mal. On peut rendre grâce au réalisateur de nous l’avoir montré sous un autre jour.

Un film excellent, une vraie perle, qui nous rend ses acteurs et son réalisateur encore plus attachants. Et, bien évidemment, le choix de la musique reste toujours aussi judicieux.

2010-12-24T03:30:00.000-08:00

C’est arrivé dans la cinquième avenue

(It happened on Fifth avenue), 1947

Réalisation: Roy Del Ruth

Scenario: Herbert Clyde Lewis, Frederick Stephani

Distribution: Victor Moore (Aloysius T. McKeever), Don Defore (Jim Bullock), Gale Storm (Trudy O’Connor), Ann Harding (Mary O’Connor), Charles Ruggles ( Michael O’Connor)

Genre: Comédie

Studio: Warner Bros

Sujet: McKeever est un clochard qui squatte la maison du riche millionnaire O’Connor, sur la cinquième avenue, pour l’hiver. Mais il va rencontrer le jeune Jim Bullock et ses amis qui le rejoignent...Or, Trudy, la fille de O’Connor, fugue...

Il est de ces temps et périodes de l’année qui nous poussent à regarder tel type de films, ou tel autre. Voici l’hiver, il ne fait pas beau, et Noël est là : nous sommes donc tentés de chercher une comédie sympathique de Noël. It happened on 5th avenue est une très belle découverte. Nous sommes charmés par son atmosphère si propre aux américains. Mais tout en restant un très bon divertissement, on devine une critique sociale qui n’est pas à négliger, et qui ne fait que donner plus de richesse à l’ensemble.

McKeever, donc, est un clochard qui squatte l’appartement de O’Connor. Mais il a tant de respect pour cette maison, et tant d’expérience dans cette pratique, qu’il fait les choses dans les règles : faire son lit tous les matins, être méticuleux sur la vaisselle, s’occuper du linge... et ceci de façon à ne rien déranger, et à ce que sa présence durant de longs mois passe inaperçue. Seulement, le téméraire Jim Bullock, alors à la rue car chassé de son appartement par O’Connor, le rejoint, et avec lui ses amis. La gigantesque résidence du millionnaire devient alors le logis d’une dizaine de personnes, bien paisible. En effet, les habitants ne sont que de pauvres gens qui ne trouvent guère de travail, mais bien évidemment honnêtes.

Mais voilà que Trudy, fille de O’Connor, s’échappe de son école et se précipite sur la 5^ème avenue, et décide de cacher son identité, charmée par Jim. C’est alors qu’elle élabore un plan pour que ses parents rencontrent le jeune homme, sans être dans leur rôle de « beaux-parents riches ».

Les pauvres et les riches vont donc devoir cohabiter dans la même maison, et les situations inattendues et bien amenées sont de vrais gags (notamment les quiproquos). La personnalité des personnages est dépeinte à chaque scène, et les dialogues sont excellents. Et bien sûr, les relations entre les personnages sont de vrais trésors.

Mais le scénario se révèle bien plus recherché qu’on aurait pu s’y attendre : ce n’est pas une réflexion sociale portée par une comédie gentillette et avec une histoire d’amour mièvre pour accrocher les cœurs les plus sensibles. La preuve en est avec un début original : des touristes écoutent un guide passionné qui nous présente en réalité les personnages du film et la situation. Puis de nombreux imprévus arrivent pour bouleverser l’intrigue. On assiste à une dispute du jeune couple, à une remise en question complète d’un mariage, et certaines scènes sont un plus osées dans leur propos que d’autres films de Noël...La fin n’est pas classique, puisque McKeever ne sait toujours pas l’identité réelle de O’Connor.

Et puis, surtout, les scénaristes ont fait le choix judicieux de ne pas tout nous dire : qu’est-il donc arrivé à McKeever pour qu’il soit ainsi, et quel fut cet amour qu’il semble regretter ? Et puis, quel est ce Jim qui lutte constamment, après avoir servi à la guerre, contre la société ? Pourquoi être toujours en révolte ?

Mais il demeure quelques failles pratiques dans le scénario : comment peuvent-ils faire du feu alors que la maison est censée être inhabitée, comment font-ils pour payer un festin de Noël aussi copieux, et quelle fut la réaction de Jim quand il apprit la réelle identité de sa fiancée ? On pardonne néanmoins ces petites erreurs ou compromis, puisqu’elles illustrent la parfaite magie du cinéma qui fait de chaque réalité un conte de fées. Ainsi, pourquoi ne pas faire un squat sur la cinquième avenue, où riches et pauvres découvrent les richesses de la vie ensemble, bien plus sincères dans une situation hypocrite que s’ils baignaient dans leur réelle situation financière ?

La question qu’on peut se poser à la fin de ce film, et qui nous fait encore davantage apprécier son charme, est : qu’aurait été ce scénario aujourd’hui ? Le film serait sans doute bien plus revendicateur, bien plus violent et dramatique, pour être « réaliste » que ce qu’il fut en 1947.

Un casting un peu inégal, où si les jeux de Victor Moore, Ann Harding et Charles Ruggles sont excellents (peut-être les meilleurs rôles ?) celui du jeune couple Gale Storm/Don Defore se révèle bien, mais trop insipide pour en laisser un souvenir.

Un très bon film de Noël, qui ne nous laisse pas indifférents et qui a assez de charme pour laisser une impression magique de cinéma.

2010-12-12T09:32:00.000-08:00

Breaking Bad

"Un professeur de chimie cinquantenaire qui apprend qu’il a un cancer du poumon. Marié, sa femme enceinte, et un fils handicapé léger"...Voilà un scénario qui intrigue, surtout pour une série : comment cela peut-il tenir sur plusieurs saisons ? Mais les américains ne cessent de nous étonner et les scénaristes ne font que nous jouer des tours, ce qui fait très subtilement tenir une intrigue qu’on croyait condamnée. Le cancer retarde, évolue, progresse, et on est les premiers à marcher, car entretemps se trouve de multiples problèmes qui accaparent toute notre attention. Car ce professeur de chimie, Walter White, décide de fabriquer des amphétamines pour assurer un avenir financier à sa famille après son décès. C’est à la suite d’une rencontre avec un ancien élève, Jesse Pinkman, dealer, qu’il prend cette initiative, et cette association rocambolesque subsiste malgré toutes les histoires les plus sombres. Evidemment, les dialogues sont de vraies merveilles, où les acteurs parlent bien : et ce même pour le jeune dealer qui ne cesse de répéter « Yo ! » et n’ose pas dire « fuck », l’éternel...De plus les situations pourries dans lesquelles ils se retrouvent, bien amenées, ne peuvent qu’étonner. En plus d’entrer dans un domaine dont ils ne connaissent pas grand-chose, ils se retrouvent dans des problèmes personnels sans fin : Walter cache ses activités à sa famille, et Jesse fait de mauvaises rencontres, outre ses parents dépassés... Puis les rois de la drogue sont la cause de scènes de démonstrations de puissance, toutes originales...

Mais pour que cela soit une bonne série, il fallait de très bons seconds rôles : la mère, Skyler, est tout à fait attachante, en doute constant et agissant toujours pour le mieux ; le fils Junior, n’est malheureusement pas assez montré ; la tante Mary est intéressante par ses actes et réflexions ; et le beau-frère Hank amène une sensibilité et un humour à toute épreuve. De plus, outre la performance quasi parfaite des acteurs, les scènes ne sont pas trop courtes, ce qui instaure un rythme reposant. Les dialogues sont toujours fins, et il existe une notion dans cette série qui fait tout son charme : l’implicite. Tout n’est pas dit. On sait que très peu de choses sur ce que pense en réalité Walter. Il dit ce qu’il veut que les autres sachent, et la magie des moments où il se laisse aller, rares, sont d’une crédibilité frappante. Les portraits se succèdent, et il ne s’en trouve pas un qu’on remette en question. Alors qu’on ne cesse de condamner les américains pour le conformisme de leurs intrigues, voilà ici un très bon contre-exemple à cette théorie sans intérêt.

Vraiment, c’est une belle découverte, sur tous les points de vue, y compris de la mise en scène : les transitions sont la plupart soignées, et dans chaque épisode se trouve toujours des plans astucieux, notamment en contre plongée...

Et puis, il y a cette immersion dans le Nouveau-Mexique, cette Amérique populaire, où le climat est rude et les loisirs rares...La pensée américaine explose à chaque scène de tous les épisodes : on parle en famille, on renie le fils indigne, on va tous chez le docteur, on est jugé très vite quand on est enceinte et qu’on fume, on va dans des groupes pour les cancers, pour la désintoxication...

Et l’inévitable coup de théâtre, caractéristique de la créativité américaine, où la saison 2 se termine par une catastrophe bouleversante ! Mais jusqu’où les scénaristes vont-ils nous emmener ?

Mais le plus surprenant est que cette série, bien que noire et pas toujours drôle, soit accessible à tous les publics, et qu’on se laisse prendre par ces épisodes qui ne sont en réalité qu’un gigantesque film, « fleuve »...

Bryan Cranston ne joue presque pas, ou alors c’est sans efforts, l’énergique Aaron Paul reste toujours juste... quant aux seconds rôles, ils sont tout aussi bien interprétés que ce duo rocambolesque dont nous suivons les aventures sans aucune lassitude... ! J

2010-12-04T06:05:00.000-08:00

Dr Jekyll et Sister Hyde

(Dr Jekyll and sister Hyde), 1971

Réalisation: Roy Ward Baker

Production: Brian Clemens et Albert Fennell

Scenario: Brian Clemens

Distribution: Ralph Bates( Dr Jekyll), Martine Beswick (Sister Hyde), Gerald Sim (Pr Robertson), Lewis Fiander (Howard), Susan Broderick (Susan)

Musique : David Whitaker

Genre: Horreur

Studio : Hammer

Sujet: Le Dr Jekyll veut mettre au point un élixir de vie à l’aide d’hormones femelles, et cela l’oblige à tuer toutes les prostituées du Londres brumeux...

On peut se demander parfois d’où peut venir le cliché des rues sombres de Londres noyées dans le brouillard... On devine que la littérature à jouer un grand rôle dans l’élaboration de cette image fascinante et effrayante à la fois. D’ailleurs, cette dernière est tellement bien imprégnée dans nos esprits, qu’on oublie à quel point le cinéma a exploité ce cliché. Et, pour citer un exemple, on peut dire que Dr Jekyll and Sister Hyde compte parmi les meilleurs.

En effet, si le scénario et l’interprétation sont remarquables, beaucoup du charme de ce film réside dans l’atmosphère qui s’en dégage. Que vaudrait Sister Hyde si on la déplaçait à Paris ?

Mais ce qu’il y a de plus anglais dans le film, outre l’idée et les paysages, ce sont bien les dialogues qui sont de vraies perles dans leur genre. On parle bien assez de l’humour noir anglo-saxon, mais alors en mettre dans un film pareil avec tant de subtilité est tout à fait unique. Si Sister Hyde déclare que son frère, Dr Jekyll, « n’est plus vraiment lui-même en ce moment », c’est pour mieux affirmer encore qu’elle « sait l’effet qu’elle fait sur les hommes ». Des situations cocasses naissent de l’intérêt des voisins pour l’étrange Dr Jekyll, et l’ironie des répliques du Pr Robertson nous prêtent plus d’une fois à sourire.

Ce qu’il y a aussi d’intéressant dans la réflexion du Dr Jekyll, c’est cette volonté qu’il a au début de lutter contre la mort avec le projet de l’élaboration d’une panacée universelle. Puis, alors qu’on lui explique que c’est une ambition certes louable mais irréalisable, il décide alors de fabriquer un élixir de vie, soit donc de lutter pour la vie. Il semblerait qu’il soit dans la nature humaine de vouloir combattre la mort, avant même de penser à vivre, et qu’écrater la pensée de sa mort aiderait à mieux vivre. C’est une réflexion qui se perd dans le début de ce film, mais qui mérite notre intérêt. Et puis, il y a cette idée que les femmes vivent plus longtemps que les hommes, d’où l’idée que les hormones femelles sont nécessaires à la préparation de l’élixir. La vie serait donc dans la femme, non parce qu’elle peut être mère mais donner l’immortalité à l’homme.

Dr Jekyll va donc tuer quelques prostituées, (on peut d’ailleurs se demander pourquoi il vit dans un quartier si populaire, lui, professeur réputé) pour ses expériences et il va ensuite se heurter à une seconde personnalité, en devenant Sister Hyde à chaque prise du produit. Seulement le côté féminin du professeur semble aimer notre monde, et il ne pourra plus s’en débarasser. La transformation se fait immédiate. Et si elle est troublante, c’est que Martine Beswick a des traits très masculins et ressemble comme deux gouttes d’eau à Ralph Bates : pour ce choix, le casting est excellent. Caroline Munro, autre créature, avait été proposé pour le rôle.

Mais ce n’aurait pas été un film de la Hammer, si Sister Hyde ne s’était pas habillée que de rouge, et que les couteaux ne brillent pas dans la nuit alors qu’il n’y pas vraiment de clair de lune. Ceci sans mentionner que les pauvres victimes du Dr Jekyll sont de vraies créatures aux décolletés plongeants, en plus dans un hiver anglais. Et puis la voisine du dessus ne pouvait qu’être typée années soixante.

Et les scènes se succèdent, toutes prenantes, et on se laisse emporter par cette intrigue bien menée.

La musique est vraiment bien, mais on peut se permettre de remarquer que la fin est peut-être un peut trop cliché. La fuite sur les toits dans la nuit, la chute. On pouvait s’attendre à un peu plus de créativité. Mais c’est bien un film de la Hammer, et sa marque nous conquit une fois encore, et nous donne envie de revoir les grands classiques, comme « Les vierges de Satan », ou « Raspoutine le moine fou », sans oublier « Dracula, prince des ténèbres ».

2010-11-21T05:45:00.000-08:00

Mother and Child, 2010

Réalisation: Rodrigo Garcia

Production: Alejandro Gonzalez Innaritu, Lisa Maria Falcone, Julie Lynn

Scenario: Rodrigo Garcia

Distribution : Naomi Watts (Elizabeth), Annette Bening (Karen), Kerry Washington (Lucy), Shareeka Epps (Ray), Amy Brenneman (Dr Stone), Carla Gallo (Tracy), Samuel Lee Jackson (Paul), David Morse (Tom), Jimmy Smith (Paco), David Ramsey (Joseph), Brittany Robertson (Violet)

Musique : Ed Shearmur

Genre: Drame

Sujet: Karen vit seule avec sa mère. Autrefois, alors qu’elle avait 14 ans, elle avait accouché d’une petite fille. Elizabeth a aujourd’hui 37 ans, elle est enceinte. De son côté, Lucy ne peut avoir d’enfant et cherche à adopter.. .

Rares sont les films qui nous bouleversent. Et quand c’est le cas, on se débrouille pour le faire savoir rapidement. Je m’en vais me plier à cette règle et commenter immédiatement Mother and Child.

Le thème de la maternité n’a cessé d’inspirer, que ce soit dans la peinture, la littérature...Et pour cause, c’est un sujet qui offrent beaucoup de subtilités cachées. L’amour maternel est-il un sentiment instinctif ? Avons-nous besoin d’être enceinte ? Devons-nous tenter de comprendre l’adoption ou non ?

Voilà toutes les questions que ce film soulève de façon très subtile à partir de nombreux portraits de femmes, de mères, de filles qui s’entrecroisent...Une veut adopter et prend possession de l’enfant beaucoup trop tôt (avant même l’accouchement de la mère biologique) ; une autre tente en vain de retrouver sa fille qu’elle a abandonné à sa naissance et ne peut vivre avec ce sentiment de culpabilité ; et la dernière s’est construite seule, sans affection maternelle, et devient mère à son tour, pour quelques minutes avant de mourir...

Ce qui est tout à fait étrange, et c’est bien ce que Rodrigo Garcia met subtilement en valeur, c’est le rapport possessif qu’a une mère avec son enfant. Certes, les hommes et pères sont présents, mais ce n’est que pour se laisser mettre sur la touche dès qu’il s’agit de garde, d’accouchement ou d’adoption. Et ceci est bien féminin, de vouloir prendre en charge tout ce qui est relatif avec l’éducation... Lucy veut adopter sans que son mari en soit parfaitement enthousiasmé, Elizabeth n’accepte pas l’aide du père de son enfant, et le père de cette dernière ne semble pas avoir été mêlé plus que ça à son adoption. Bref, la présence paternelle est quasi inexistante pour le destin de ces trois femmes qui se battent pour être mères.

Parce qu’elles le deviennent finalement. Lucy finit bien par adopter une petite fille et devient mère célibataire, Karen a accompagné sa fille jusqu’à sa mort, et Elizabeth a bel et bien donné la vie.

Mais le destin de ces trois femmes-ci sont servis et d’autant plus mis en valeur par les nombreux seconds rôles, qui sont souvent à l’origine de changements radicaux dans le film : la mère de Lucie l’é réveille en la responsabilisant, Paco encourage Karen à retrouver sa fille, la femme de ménage est à l’origine de la réconciliation de Karen avec sa mère défunte, Paul suggère l’idée à Elizabeth de retrouver sa mère...Sans oublier cette jeune aveugle sur le toit de l’immeuble de celle-ci, qui a les répliques les plus magiques du film.

Mais une fois encore, ces femmes-là sont seules. Ou alors elles sont entre elles. Elles doivent affronter certaines choses en tant que mère, en tant que fille, et puis en femme. C’est la diversité des rôles qu’elles jouent qui fragilise une situation qui semble naturelle. Si elles ne se font à aucun de ces rôles, c’est une question de caractère. Un raisonnement d’une réalité psychologique surprenante.

Les interprétations de tout les acteurs et actrices sont justes, la mise en scène subtile et sobre. On peut néanmoins dire que la musique se fait parfois trop présente (certaines scènes y auraient en effet gagné en vérité avec un beau silence).

Toutes ces histoires -là nous sont racontées, et tandis que nous sommes noyées dans l’ombre du cinéma, nous avons une étrange impression que ce film est fait pour les femmes et s’adresse à chacune d’entre elles. C’était comme si Mother and Child avait été fait pour nous dire : « Tenez, asseyez-vous, nous allons tenter de vous montrer ce qu’est une femme qui devient mère. » Parce que ce sont avant tout des femmes. Et on sort de la salle en ne sachant que penser de cette relation complexe entre une mère et son enfant : on a bien repéré les moments magiques que nous montrent ce film, et puis d’autres moments bien plus tristes, et finalement l’ensemble est si réaliste qu’on ne peut que se dire « c’est la vie ». En effet, ces histoires racontées sont tellement particulières, que nous ne pouvons généraliser. On a vu le spectacle de plusieurs relations, et tandis que l’on marche dans la rue pour rentrer chez nous, on ne peut s’empêcher de regarder des mères avec leurs filles, en se demandant : « Et à elles, quelles sont leurs histoires ? »

Et, ce qui est beaucoup plus parlant que tous les commentaires que nous pourrons faire chacun sur ce film, le spectacle des femmes qui sortent de la salle en même temps que vous : elles pleurent, elles sont graves, elles sourient, elles sont immobiles, elles sortent rapidement...J’ai été de ces dernières. Et ce n’était pas pour fuir le film, mais bien pour tenter d’y réfléchir plus posément encore. Car Mother and Child mérite bien cette importante attention.

2010-11-20T03:35:00.000-08:00

Chloe, 2010

Réalisation: Atom Egoyan

Production: Ivan Reitman, Tom Pollock, Joe Medjuck, Jeffrey Clifford, Simone Urdl

Scenario: Erin Cressida Wilson

Distribution : Julianne Moore ( Epouse), Liam Neeson (Mari), Amanda Seyfried (Chloe), Max Theriot (Michael), Nina Dobrev (Anna)

Musique : Mychael Danna

Genre: Drame

Sujet: Une femme craint que son mari la trompe et engage une prostituée pour le séduire...

On peut dire, en guise de réponse à la phrase « Jusqu’ou iriez-vous pour découvrir la vérité ? », que le scénario n’est pas allé bien loin. En effet, tout est convenu dans ce film, et on comprend par la prétention de la mise en scène que ce n’était pas voulu.

Le début est pourtant bien, il annonce une intrigue qui promet quelques surprises. Mais tout devient rapidement prévisible, le personnage « dérangeant » de Chloe est aussi transparent que les vitres de la maison extraordinaire de Julianne Moore. En passant, on pourra relever un jeu de glace, de vitre, de miroir très important dans le film, ce qui n’arrange pas la mise en scène déjà lourde. Oui, les prétentions psychologiques de Chloe, n’arrivent pas même à être perturbantes tant l’ensemble est irréaliste. On ne croit pas au manque affectif de la prostituée, et si on comprend la réaction de Julianne Moore face à l’infidélité supposée de son mari, son attitude avec Chloe nous parait trop peu réfléchie pour être intéressante. Le choix d’avoir estomper le rôle de Liam Neeson n’est sans doute pas le plus judicieux : le duo des deux femmes n’en est que plus restreint, tant dans les possibilités d’actions que dans l’interprétation.

Julianne Moore a les yeux humides pendant tout le film, Amanda Seyfried nous montre son joli minois inexpressif, et Liam Neeson n’apparait que très rarement (et il a bien fait). Le jeu de la pince qui est le symbole de la présence constante de Chloe est lourd. Pour un film qui se veut psychologique, on ne peut pas dire que la finesse soit le mot d’ordre. Chloe, mythomane en manque d’affection, va coucher avec la mère, le fils, et prétend s’être jeté sur le mari dans un jardin de plantes. Au niveau des évènements, c’est ça et puis c’est tout. Alors, oui, Chloe est amoureuse de Julianne Moore, elle fait tout par jalousie...Quelle originalité !!

Les récits obscènes sont suivis de scènes de sexe, et de révélations à travers des vitres. Puis on repart avec des conversations dans un café, et ce jusqu’à ce que la pince de Chloe soit dans les cheveux de Julianne Moore, lors d’une fête. Héritage de cette intrusion dans la vie familiale, vous l’avez compris, et tout le baratin...

Et pour ce qui est de la fin, on peut dire que c’est la meilleure scène du film, dans son genre. Le ridicule ne tue pas, me diriez-vous, à moins que les spectateurs ne s’étouffent de rire. Pour ma part, c’est ce qui a failli se produire...

2010-11-14T09:50:00.000-08:00

Desperate Housewives

Nous ne pouvons pas ignorer longtemps le succès international de cette série. En effet, il semblerait que les très différents destins de nos femmes au foyer ne cessent de nous intéresser...

Et pourtant, outre les caractères des personnages qui les rendent si attachants, on peut déceler à travers cette mosaïque de personnalités une très fine analyse de la société américaine. Le quotidien des américains et ce à quoi ils sont confrontés est très bien rendu et nous rend certains aspects de leur mentalité bien différente de la nôtre tout à fait accessibles. Et nous ne pouvons que rendre hommage à ses créateurs.

Oui, Desperate Housewives n’est pas qu’une série qui s’adresse essentiellement à un public féminin, où les personnages échangent ragots, et où les rumeurs vont bon train. Wisteria Lane est le théâtre d’évènements graves et d’autres drôles, certes, et nous nous régalons des rivalités entre copines. Mais au-delà de tout ça, chacune a une personnalité bien caractéristique et bien étudiée.

Bree, par exemple, est sans doute la plus surprenante des femmes au foyer de Wisteria Lane. Perfectionniste acharnée, elle ne cherche qu’à sauver les apparences, et c’est en vain. Elle a à son compte bon nombre de drames familiaux, des liaisons aussi sulfureuses les unes que les autres, et peut faire preuve d’une violence mal placée quand elle doit arriver à ses fins. Par là, elle incarne le personnage le plus troublant de la série, puisque c’est la mise en scène de l’Amérique conservatrice, et qui tente par de timides essais de vivre avec son temps et de s’ouvrir à la nouvelle génération. Pratiquante, elle se refuse le droit d’avoir une vie sexuelle trop active, mère de famille modèle elle se refuse une vie de couple exemplaire...et ainsi de suite. Nous suivons ce personnage avec intérêt, puisqu’elle tente désespérément que tout aille pour le mieux selon elle et où finalement tout tourne mal. Elle voulait une belle éducation pour ses enfants, et voilà que son fils vit avec un homme et que sa fille tombe enceinte alors qu’elle est adolescente. Son éducation « ratée » est le drame de sa vie.

Susan, éternelle gaffeuse, offre un visage plus sympathique des Etats-Unis d’aujourd’hui. Outre ses problèmes sans intérêt de voisinage, elle a longtemps été la plus coincée de toutes : le sexe était un tabou pour elle. Mais maintenant, nous pouvons voir une nette évolution de ce côté. Elle se bat pour l’éducation de son fils, pour gagner de l’argent le plus vite possible, et connait un mode de vie plus populaire dans la saison 7 et je suis sûre que ça ne manquera pas d’être intéressant.

Gabrielle, mexicaine, est la plus égoïste. Autrefois Top-Model, elle est bien la plus riche dans l’ensemble des saisons mais pourtant la plus franche. Franc-parler américain, toujours bienvenu lors des situations délicates. Elle a des enfants obèses, tente de ne pas trop les gâter... Elle veut toujours s’intégrer, et refuse ses origines latinos populaires, bien qu'elle s'en serve à l'occasion. C’est une battante, qui lutte dans des sphères sociales élevées.

Lynette, mère de famille nombreuse (5 enfants !) incarne le modèle de la famille américaine. Féministe et femme de caractère, elle en constante remise en cause. Elle n’a pas son pareil pour se tirer des situations les plus farfelues. C’est les combats de la femme moderne. Elle domine son mari, elle sort d'une enfance difficile, comme Gabrielle. Elle court après le modèle de la mère parfaite et de la femme indépendante, et ces deux buts sont paradoxals. Elle ne fait que pencher vers l'un pour regretter l'autre ensuite.

On remarque surtout, alors qu’on pose les yeux un instant sur l’évolution de ces femmes et de leurs familles, qu’elles sont à peu prêt toutes passées par les mêmes cases : problèmes pédagogiques souvent remis sur la toile, difficultés économiques, et toujours faisant appel à la justice, sans parler des problèmes de couples...

Une manie de brandir la justice est inévitable pour chaque saison, y compris entre amis. L’univers carcéral est toujours évoqué. Les catastrophes naturelles sont également au rendez-vous et nous avons eu droit à des accidents divers, y compris à une prise d’otages dans un supermarché... On n’en finirait pas si l’on devait évoquer tous les incidents si propres à la société américaine.

Cahque personnage a bien évidemment une utilité qui touche une certaine catégorie de la société américaine. Les seconds rôles sont encore plus intéressants que les principaux, concernant cet aspect sociologique en tout cas (Les enfants, McCluskey, les nounous...).

Et puis derrière tout cela, plane l’éternel « American dream ». Chacun peut réussir, avoir une maison en banlieue, un bon mari et de beaux enfants. C’est pour cette idée générale du bonheur que nos quatre copines se battent tous les jours. Mais la série n’aurait pas eu d’intérêt si en effet tout se passait bien. Tout n’est qu’illusion et les introductions de Mary Alice ainsi que les conclusions, toujours aussi fines, ne manquent pas de nous le faire remarquer. C’est d’ailleurs dans les premières minutes de chaque épisode que se cachent les meilleures idées de l’état d’esprit de Desperate Housewives.

2010-11-06T09:55:00.000-07:00

BRUNE/BLONDE

Voilà le sujet de la dernière exposition qu’organise la Cinémathèque Française. Le rôle de la chevelure de la femme au cinéma et dans les arts. C’est un bon sujet, dites-vous, très intéressant. Mais il semblerait qu’il y en ait tellement, des choses à dire, qu’on se soit retrouvés devant le problème où le sujet étant trop vaste, l’approche est bien trop superficielle pour être digne d’intérêt.

Au lieu de nous offrir une sorte d’historique de la blonde au cinéma, avec d’un autre côté la brune en passant par la rousse, on survole le domaine des arts, et de son babillage. Si l’on daigne nous dire qu’il y a une évolution des rôles de la blonde, on ne nous dit pas laquelle. Et si l’idée de départ est que la chevelure de la femme est un symbole important de cette dernière, on peut se permettre devant une si étonnante démonstration de se dire qu’on le savait déjà avant de venir.

Mais en revanche nous aurons droit à des photos sur la fibre du cheveu. Inutile de vous dire à quel point le désintérêt manifeste des visiteurs rendait cette partie de l’expo peu vivante, comparée à celle consacrée aux nombreux extraits de films qui passent en boucle. Evidemment ils sont très connus. Et voilà que tandis que l’on passe de Belle de jour à Gilda, avec Mulholland Drive, on se heurte à la sensible question : « pourquoi suis-je venu alors que je peux regarder tous ces films chez moi ? » Mais voilà que je tombe sur des photos de Man Ray ; puis Mucha, puis quelques affiches. On tourne la tête sur les pièces exposées dans une salle. On balaie des yeux l’organisation d’une autre, puisqu’on ne peut pas faire autrement, rien n’y accroche notre regard, perdu dans ce chaos.

L’ensemble de cette expo n’est pas cohérent, on ne sait pas l’organisation suivie, on ne sait pas ce qu’on venait y chercher tant nos attentes justifiées semblent sur place stupides, devant ce bavardage faussement intello. Et puis on sait ce que l’on a appris : que la Cinémathèque peut faire de grandes erreurs dans certains de ses choix, ou qu’il faut quelques extraits de film pour qu’une exposition ait l’air intelligent et profond. Mais non, cela ne marche pas comme cela, et c’est dommage pour les visiteurs qui s’en rendent compte. Car il y avait bien des choses à dire sur un sujet comme celui-ci, seulement nous n’avons droit qu’à de belles pièces de collections, remarquables même dans un tel désordre, mais qui n’ont rien à faire là.

Et puis, et ce n’est pas négligeable, la banalité des films choisis : si ce sont de très bons films, je le comprends tout à fait, mais montrer la relation de Naomi Watts et Laura Harring dans Mulholland Drive comme charnelle, sensuelle...oui. Oui. On ne se risque pas à contredire une telle affirmation. Mais une fois encore, nous avons ici des yeux pour voir. On le sait. Pourquoi ne pas avoir pris comme exemple La mauvaise graine (The Bad Seed, 1956, Mervyn Leroy), où cette enfant, tout en cachant derrière ce casque blond innocent un esprit manipulateur, est le mal incarné ? ; Ou encore le Village des Damnés (Village of the damned, 1960, Wolf Rilla) ou des enfants accourent pour détruire notre monde, ou leurs cerveaux bouillonnent de plans sous un blond presque blanc ? Ou encore traiter, pour faire une ouverture, sur la chevelure des hommes ? En effet, les acteurs blonds charismatiques ne sont pas aussi nombreux que les actrices. Il semblerait que l’innocence du blond ne soit pas si attrayante chez les hommes. Ou pour citer un autre exemple, pourquoi ne pas élargir sur le cinéma contemporain, ou le mythe de la blonde sexy demeure (Scarlett Johansson), et ou la brune est tout aussi sexy mais plus intelligente ?

Oui, une déception, et on ne peut que sortir de cette exposition rapidement (comparé à une arrivée bien lente, car retardée par la non-organisation de la cinémathèque qui ne donne qu’une seule caisse pour une expo) avec une sensation de vide. C’est dommage.

2010-10-25T07:31:00.000-07:00

J’ai tué ma mère, 2009

Réalisation: Xavier Dolan

Production: Xavier Dolan

Scenario: Xavier Dolan

Distribution : Xavier Dolan (Hubert Minel), Anne Dorval (Chantal Lemming), Suzanne Clément (Julie Cloutier), François Arnaud (Antonin Rimbaud), Elise Guibault (amie de la mère), Patricia Tulasne (Hélène Rimbaud), Niels Schneider (Eric)

Musique: Nicholas Savard

Genre: Drame

Studio: Rezo Films

Sujet: Hubert vit seul avec sa mère. Leur relation est houleuse, ils ne peuvent plus se supporter. Ce film est leur histoire...

Titre accrocheur, provocateur, qui traduit bien l’idée de vouloir déranger le public. Car, puisque le film est à tendance autobiographique, il ne sert à rien de voiler les vrais malheurs de Xavier Dolan. Pourquoi choisir un titre plus doux quant il s’agit de dépeindre une relation enragée d’une mère avec son fils ? Ils se haïssent tous les deux, mutuellement, mais s’avouent peu après qu’ils s’aiment. Ils veulent aller de l’avant mais restent nostalgiques de leur passé commun et heureux. On tue sa mère pour découvrir le personnage qui se cache derrière.

Donc, Hubert et Chantal vivent ensemble, rien que tous les deux, et n’ont rien en commun. La plus banale des conversations peut rapidement se transformer en dispute phénoménale. Ils se crachent quelques vérités et avouent leur faiblesse. Par exemple, Hubert ne se gênera pas pour dire à sa mère qu’ils n’ont rien à se dire, mais elle lui avoue qu’elle a été touchée qu’il ne l’ait pas mise au courant de son homosexualité. Ils se rabibochent, puis elle le plante à l’entrée d’un vidéoclub. Il lui dit qu’il l’aime, puis il la hait quand elle l’envoie dans un pensionnat. Relation houleuse, étrange, passionnelle aussi d’une certaine manière, de celle qui ont toujours un avenir, quelque soit le ton de la relation. Et puis il y a bien évidemment la valeur familiale qui fait que l’on s’accroche à sa mère, et qu’on veut ignorer ses échecs pédagogiques.

Ce sont deux êtres seuls qui ne se connaissent plus et n’arrivent pas à en exprimer l’intention. Voilà pour résumer leur histoire. Et malgré bien les apparences –et il y en a !- qui nous forcent à penser qu’ils sont fous à lier, on décèle implicitement dans cette mosaïque de scènes dérangeantes quelques vérités qui nous concernent. Et ça, Xavier Dolan ne manque pas de nous le faire remarquer quand il affirme devant sa petite caméra : « J’imagine qu’aux yeux des gens, haïr sa mère c’est un péché. Eux aussi ont haï leur mère, c’est sûr. Ca a peut-être duré une seconde, ça a peut-être duré un an, peut-être qua ça a été oublié... mais je m’en fous, ils l’ont quand même fait. »Et puis, leurs actes sont compréhensibles de tous, on sait jusqu’à quels excès la colère peut parfois nous mener. On largue son fils au bord de la route, on se met à brutaliser un peu sa mère, emporté. On hurle, on crie. Et qui n’a pas vu une fois une mère entrer dans un magasin et crier sur son enfant ?Qui n’a pas vu une banale discussion se transformer en champ de bataille où seuls les deux personnes concernées savent ce qu’ils défendent ? Alors, c’est sûr, on sait à peu près quelles sont les subtilités dans une relation mère/enfant. Même celle qu’a Antonin avec la sienne, qui n’a pourtant rien à voir avec Hubert et Chantal, n’est pas franchement très équilibrante. L’idyllique est depuis longtemps rayé de la carte.

On voit aussi que la présence d’Antonin, le compagnon de Hubert, sert à faire voir certaines choses à celui-ci : il veut lui redonner confiance en lui, le gronde quand il prend « sa tête de chien battu », lui dit qu’il l’aime. Et mine de rien, il est la seule présence rassurante masculine de tout le film. Car, pour Eric, on ne peut pas dire qu’il soit symbole d’équilibre.

Le rôle féminin intéressant et rassurant, c’est celui de l’enseignante. Elle tente de le comprendre et lui avoue certaines choses. Mais elle s’éloigne, s’en va vivre ailleurs, et elle le laisse seul avec un sentiment d’abandon, un de plus.

La mère de Hubert est un personnage, "qui n'était pas faite pour être mère", apparemment, qui est bien plus énigmatique qu'on se l'imagine, elle cache des subtilités encore plus complexes que celles de la personnalité de son fils. D'ailleurs, elle est responsable du mal-être de ce dernier, qui n'est tourmenté que par elle et non pas par son père. Il l'accuse exclusivement de l'avoir inscrit dans ce pensionnat, et non pas l'autorité paternelle. Non, Chantal est mal à l'aise dans son rôle de mère, et bien que nous ayons quelques indices à notre disposition, on ne peut pas vraiment en cerner la raison.

Puis il y a des choses que Hubert dit : il faut qu’il déménage, comme ça ils pourront mieux s’entendre ; « Penses-tu qu’il y a beaucoup de mère qui ont élevé leur enfant comme tu m’as élevé ? » ; et on se prend à l’aimer, lui et sa révolte que pourtant on ne pourrait sans doute pas longtemps supporter. C’est que, voyez-vous, elle est objective : on voit les tourments de la mère autant que ceux du fils, on sait les états d’âme de chacun. Et si quelques clichés sont parfois utilisés, on ne s’en aperçoit que très vaguement, tant la mise en scène est originale.

Oui, Xavier Dolan a parfois recours à des procédés très étranges et des idées souvent inattendues ; mais comment raconter une histoire si authentique sans cette dernière ? L’intérêt de cette intrigue est qu’elle a été vécue, et donc on se sent un peu mal à l’aise quand on applaudit la richesse des dialogues quand on sait qu’ils ont parfois été tirés de vraies disputes passées. On se tourne alors vers la réalisation, car elle est artistique.

Quelques effets de mise en scène sont lourds, d’autres radieux, certains mystérieux. Puis les répliques sont drôles ou touchantes (« Qu’est-ce que tu feras si je meurs aujourd’hui ? - Je mourrai demain. ») ; On voit l’amour de Xavier Dolan pour la littérature française, on observe une tendresse pour les femmes, une fascination pour les hommes, et toujours les mêmes icônes reviennent : James Dean, éternel rebelle, Audrey Hepburn... Une personnalité qui va s’affirmer encore davantage avec Les amours imaginaires.

J’ai tué ma mère est le premier volet d’une trilogie qui porte sur l’amour. Xavier Dolan fait preuve de toute logique quand il commence par l’amour maternel, puis vient l’amour jeune avec Les amours imaginaires, et ensuite ce sera au tour de Laurence Anyways, amour adulte. Bien plus de construction qu’on se l’imagine, derrière cette apparence d’insolente jeunesse qui fait bien le charme de Xavier Dolan, qui -l’avons-nous dit ?- a un très gentil nez, s’il ne fallait retenir qu’un seul élément de son visage de jeune romantique.